Développez vos idées créatives et concrétisez les de la prise de vue au photo montage...
Catégorie :Photomontage et post-traitement
Pour aller au delà de la réalité…
Les photomontage et le post-traitement est un pas vers de nouveaux horizons, au delà du réel qui vous permettra de concrétiser vos idées les plus folles, innovantes et créatives !
Dans les articles ci-dessous, vous trouverez des informations intéressantes et concrètes pour vous aider à progresser dans ce domaine.
Illustration de l'article sur comment guider le regard en post-traitement
Quand un photographe fait une photo, il sait quels sont les éléments importants qui la composent. Lors de sa composition, il a la charge de guider le regard des spectateurs afin de l’aider à comprendre le sens de la photo. Pour ce faire, il doit dès la prise de vue agencer les éléments importants de manière à créer des relations entre eux. Cependant pour mieux guider le regard afin d’aider la lecture de l’image, il est néanmoins très utile de renforcer ces relations en post-traitement. C’est que que je vous propose de voir dans cet article.
Principes de base
Comme nous l’avons vu dans un article dédié, l’impact visuel d’une photographie peut être étroitement lié à la gestion de ses différents contrastes. C’est sur ces base que nous allons travailler en post-traitement. En effet, amplifier ces contrastes en post-traitement lors du développement de la photographie, nous permet d’être beaucoup plus subtile dans le guidage du regard du spectateur.
Ci-dessous nous allons aborder trois contrastes très efficaces qui sont particulièrement facile à réaliser sous un logiciel tel que Lightroom.
Luminosité
Le regard est toujours plus attiré par les zones lumineuses. Ceci peut se comprendre de par le fait qu’un sujet bien exposé présente plus de détail que dans les zones sombres. L’astuce est donc d’assombrir très légèrement les zones sans grand intérêt de l’image et au contraire de légèrement éclaircir votre sujet.
Pour aller plus loin, vous avez aussi la possibilité de hiérarchiser vos différents éléments par niveau de luminosité. L’importance est proportionnelle au niveau de luminosité de l’élément.
Température de couleur
Dans cette même logique, les couleurs plus chaudes sont plus plaisantes à voir que les couleurs froides. Réchauffer légèrement votre sujet par rapport au fond de l’image, pourra efficacement détacher votre sujet de son fond.
Vous pouvez aussi définir une tension entre deux éléments importants de votre photo en utilisant ce principe. Dans ce cas, il y a de forte chance que le spectateur distingue d’abord l’élément chaud puis l’élément froid dans un second temps.
Netteté/flou
L’usage de la netteté et du flou est très courant dès la prise en vue en jouant sur la profondeur de champ. Au moment du post-traitement, ce qui est intéressant, c’est de jouer sur les micro-détails de la photo. Par exemple, dans le cas des portraits, il n’est pas intéressant d’accentuer la netteté sur l’ensemble du visage. Au contraire, le fait de l’appliquer uniquement aux endroits stratégique apportera beaucoup plus d’efficacité : le regard, la base du nez et les lèvres suffirons largement.
De manière générale, tous ces conseils fonctionnent mais n’oubliez pas qu’il peut être intéressant de les prendre à contre-pied. Chaque photo est unique et pourra répondre différemment à ces principes. Alors n’hésitez pas à tester différentes configurations.
Outils localisés de Lightroom
En fonction du logiciel que vous utilisez, plusieurs outils localisés peuvent exister. Pour l’illustration de cet article, je m’appuierai sur le logiciel Lightroom Classic CC.
Dans ce logiciel, il y a 3 outils localisés :
Filtre gradué
Panneau de configuration de l’outil filtre dégradé de Lightroom Classic CC
Filtre radial
Panneau de configuration de l’outil filtre radial de Lightroom Classic CC
Pinceau de retouche
Panneau de configuration de l’outil pinceau de retouche de Lightroom Classic CC
Comme vous pouvez le voir sur les captures d’écran, chacun de ces outils possèdent un ensemble de réglages similaires entre eux, plus des options propre à chacun d’eux. L’objectif n’est pas ici de passer en revue l’ensemble de ceux-ci mais, de simplement les présenter pour en avoir une vue d’ensemble.
Trucs&Astuces
Plissez les yeux
Voici une astuce tout simple pour mieux voir les zones lumineuses et de couleurs différentes. Il suffit de plisser les yeux pour ne plus distinguer les détails de l’image. L’idée est de faire comme si la photo était floue. Ainsi, votre attention n’est pas perturbé par trop les informations précises de l’image. Il est alors plus évident de repérer où sont les zones lumineuses des zones sombres, etc…
illustration de l'article sur comment donner la sensation de la profondeur
Réaliser une photographie revient à transcrire en deux dimensions (2D) la représentation d’une scène réelle en trois dimensions (3D). L’objectif de cet article est de vous donner quelques clés utiles pour tromper le cerveau du spectateur afin qu’il ressente cette sensation de profondeur sans cette troisième dimension. Je classerai ces clés suivant les aspects suivants :
rapport d’échelle
superposition
contraste
effet de vision
retouche photo au post-traitement
Rapport d’échelle
Le rapport d’échelle concerne ici l’évolution de la perception des caractéristiques dimensionnelles d’un objet en fonction de la perspective. De manière simple et directe, « plus un objet est loin de nous, plus nous le voyons petit ». Comme vous allez le voir, c’est évidemment vrai, mais il n’y a pas que ça.
Dimensions
Comme, je l’ai écrit juste au-dessus, un même objet sera représenté plus gros sur une photo, s’il est proche du point de vue et diminuera au fur et à mesure qu’il s’éloignera. En fonction de certaines configurations naturelles ou non, la scène à photographier présentera une série plus ou moins alignée de ce type d’éléments. Classiquement, ceux-ci peuvent être par exemple :
les poteaux électriques
les pierres d’un mur
une route de largeur sensiblement constante
des traces comme par exemple des traces de pas dans le sable…
Leurs agencements linéaires construisent une ligne de fuite imaginaire. Ces lignes de fuite, si elles sont astucieusement placées dans votre composition évoqueront très fortement cette sensation de profondeur.
Effet de la perspective géométrique sur les dimension d’un sujet
Motifs
De manière générale, au-delà des dimensions d’un objet bien distinctif, tout ce qui peut s’assimiler à un motif, répond au même phénomène expliqué précédemment. C’est le cas, du motif d’un mur en briques par exemple.
La force des motifs est qu’ils génèrent une multitude de lignes de fuite.
Prêtez attention aux motifs est alors une très bonne façon de profiter d’eux pour traduire cette troisième dimension, car ils disparaîtront progressivement avec la distance.
Voici quelques exemples de motifs courants :
des briques d’un mur,
des dallages au sol,
des tuiles d’un toit,
des fenêtres des immeubles,
des arbres de même essence,
…
Importance des motifs et de l’accentuation des perspectives pour transmettre l’impression de profondeur
Textures
Plus, nous nous rapprochons des sujets et plus nous pouvons en voir les détails. L’ensemble des plus petits d’entre eux représente la texture. Encore une fois, ces informations s’évanouiront avec sa distance par rapport au point de vue.
Ici, les exemples de motif peuvent être par exemple :
le maillage d’un tissu,
les creux et les bosses de l’écorce d’un arbre,
l’aspect brossé d’un métal,
les piqûres de rouille d’une vieille porte métallique,
les craquelures d’une vieille peinture,
…
Référence à l’échelle
Petite question au passage : qu’est-ce qui permet de faire la différence entre les trois notions précédentes, dimension, motif et texture ? La réponse est le rapport de taille des uns par rapport aux autres.
Afin de pouvoir donner un ordre de grandeur à la profondeur, il est important d’introduire une notion de taille de référence pour l’ensemble de l’image. Concrètement, il suffit d’introduire au moins un élément dont tout le monde connaît instinctivement la taille.
De nombreux éléments peuvent être utilisés :
un humain,
une voiture,
un insecte,
un arbre,
…
Du moment, que les tailles respectives entre les dimensions, les motifs et les textures sont cohérentes entre elles, l’ensemble de ces notions dimensionnelles permettront à duper le cerveau afin qu’il interprète dans la continuité l’information de profondeur de l’image.
En photomontage, c’est l’un des points les plus importants à mettre en place pour donner un rendu réaliste d’une scène.
exemple de l’importance d’une référence de taille pour donner l’échelle des distances et la sensation de la profondeur de l’imageexemple de l’importance d’une référence de taille pour donner l’échelle des distances et la sensation de la profondeur de l’image
Superposition
« Ceux du fond sont cachés derrière les premiers ».
C’est évidemment une autre caractéristique de la profondeur. Lors de votre composition, il peut-être utile d’intégrer à votre image des éléments qui se cachent partiellement les uns et les autres. Le cerveau sera ainsi contraint d’intégrer la notion multi-plane de la scène et comprendra alors qu’il y a de la profondeur à la scène.
Afin de bien distinguer les différents plans de profondeur (de l’avant-plan à l’arrière-plan en passant par tous ceux intermédiaires), il est intéressant de chercher à les rendre distinguables au mieux. L’une des astuces des photographes de paysages est de photographier aux heures de la journée où la lumière est rasante (premières ou dernières heures de la journée). Ainsi, en fonction de la structure du sol, présence d’arbre, champs de colza ou terre nue…, la luminosité de ses différentes zones s’en trouvent plus contrastées. Ceci permet alors de mieux les distinguer.
Distinguer les différents plans d’une image permet de donner de la profondeur à celle-ci
Contraste
Directement, en lien avec la notion de plan de profondeur, nous avons la notion de contraste associé.
Pour rappel, dans mon article dédié aux contrastes d’Itten, j’explique qu’il existe une multitude de types de contraste.
Il est important de comprendre que quelques soient les types de contrastes, ils diminuent tous avec la distance.
Partant de ce constat, on comprend autrement tout ce que nous avons évoqués précédemment autour des dimensions, motifs et textures. Tout ça est donc cohérent. Ouf !
Diminution du contraste de luminosité
A cause de la couche atmosphérique, les hautes lumières et les basses lumières sont de moins en moins distinguables pouvant même devenir uniforme en cas de brouillard par exemple. C’est pourquoi, il est plus facile d’évoquer cette notion de distance en fonction de conditions météorologiques particulières.
Diminution du contraste de couleurs
Pour la même raison, la saturation des couleurs se réduit aussi avec la distance.
L’ensemble de ses deux contrastes est ce que l’on appelle souvent la perspective atmosphérique au même titre que l’on appelle perspective géométrique la gestion des dimensions.
Effet de la perspective atmosphérique et comment la luminosité et les couleurs évoluent avec la distanceEffet de la perspective atmosphérique et comment la luminosité et les couleurs évoluent avec la distance
A ce stade de l’article, nous connaissons et avons compris quels sont les paramètres importants à prendre en compte pour mieux transcrire la troisième dimension. Pour rappel les voici de façon synthétique :
les lignes de fuite imaginaires,
les lignes de fuite réelles,
les détails à intégrer au premier plan,
mettre en évidence les différents plans,
choisir ses heures de prise de vue,
profitez de la perspective atmosphérique.
Dans la suite de l’article, voici quelques astuces complémentaires pour accentuer ces aspects.
Effet de vision
Profondeur de champ
Tout l’aspect technique de comment procéder aux réglages de la profondeur de champ est expliqué dans mon article dédié. Je vous invite donc à le lire ou le relire si besoin.
L’usage à bon escient de ce paramètre, vous permettra de mieux focaliser le regard là où vous le souhaitez tout en détachant le plan de netteté de l’avant ou de l’arrière-plan.
Accentuation de la perspective
La perspective géométrique étant un aspect très important pour donner cette sensation de profondeur, il est souvent utile de l’amplifier. Pour se faire, il est d’usage d’employer des objectifs à courte focale. Ici aussi, je vous invite à vous référer aux articles dédiés aux différentes familles de focales.
Dans le cas, où vous n’auriez pas à disposition des focales courtes, vous pouvez compenser un peu le problème en photographiant au ras du sol. De cette manière, vous intégrerez plus de premier plan à votre photo pour mieux « entrer dedans ».
Retouche photo au post-traitement
Ici, je vais vous donner 3 astuces qui peuvent aussi aider à évoquer ou renforcer la profondeur d’une photo. Il est clair, qu’au post traitement, nous ne pourrons pas faire de miracle non plus. Donc, gardez à l’esprit l’ensemble des informations de cet article concernant les prises de vue, car c’est surtout à ce moment-là que vous avez le plus de possibilité.
Zooming
Pour faire la transition, voici un effet que l’on peut faire aussi bien à la prise de vue qu’au post-traitement. Il s’agit de l’effet de zooming.
Rapidement, pour réaliser ceci à la prise de vue, vous devez régler d’exposition correcte de votre photo de manière à avoir un temps de pose de l’ordre de 1/30s. La technique consiste à zoomer manuellement pendant que vous déclenchez l’obturateur. Vous obtiendrez alors un flou dynamique partant du centre de l’image et qui s’étalera de façon radiale.
Sous Photoshop, vous trouverez l’option dans les filtres de flou.
Le fait d’avoir ce flou partant du centre donne l’impression d’entrer dans la photo et peut en fonction des cas donner une sensation de profondeur. Il s’agit d’un effet créatif qui convient bien d’utiliser modérément pour ne pas s’en lasser.
Evocation de la profondeur par effet de zooming
Correction du voile
Il y a quelque temps, Adobe a créé l’option correction du voile dans Lighroom et CameraRaw. Habituellement, utiliser pour supprimer ou réduire tout au moins l’effet de la perspective atmosphérique, il peut aussi être utilisé inversement pour en ajouter. Dans ce cas, je vous conseille de procéder plan par plan localisé pour étager et ainsi mieux les distinguer.
Tilt-Shift
Cet effet aujourd’hui, un peu trop connu, est néanmoins une bonne solution pour donner un ressenti intense de la profondeur dans l’image. C’est aussi ce qu’on appelle l’effet maquette.
Le recadrage d’une photo est l’opération de supprimer au post-traitement une partie de celle-ci. Cette opération est extrêmement simple à réaliser, et comme nous allons le voir ensemble, peut apporter beaucoup de force à votre photo.
Polémique autour du recadrage
Régulièrement en lisant sur les groupes de discussion, les forums photo ou ailleurs, certains photographes critiquent le recadrage comme étant une pratique inacceptable. Ils étoffent souvent leur propos en expliquant qu’une photographie se fait avant tout lors de la prise de vue. D’autres justifient cette idée par le fait que la suppression de pixel dégrade trop la qualité de l’image.
Ces arguments sont vrai, mais pas toujours. C’est pourquoi dire que le recadrage est une pratique inacceptable est excessif.
Dans tous les arts, et la photographie ne fait pas exception, il existe des règles qu’il est important de transgresser pour aller plus loin dans la créativité. L’ouverture d’esprit et la prise de recul par rapport à ces types de sujets sont importants pour ne pas se retrouver bridé dans notre pratique
Par contre effectivement, garder qu’une trop faible partie de votre image risque de ne pas laisser assez d’information pour une future impression sur papier. Ici, il faut garder à l’esprit que plus on garde de pixel, mieux c’est. Mais il faut aussi garder à l’esprit le principe de densité de pixel d’une image pour l’impression. Tout cela dépend de l’usage final de l’image. Pour approfondir ce point, je vous invite à lire l’article traitant spécifiquement ce sujet.
Pourquoi recadrer
Il existe de nombreuses raisons justifiant le recours au recadrage d’une photo. Voici ci-dessous une liste non exhaustive :
Changer le format de la photo (16×9, 4×3, carré, format libre, panoramique…),
Supprimer un élément perturbateur de l’image se trouvant en périphérie,
Adapter une photo à l’espace disponible dans la page d’un magazine,
Ajuster précisément la symétrie après la correction des déformations optiques de l’objectif en photo d’architecture par exemple,
…
Comme je l’ai évoqué dans un article précédent, le cadre d’une image fait partie intégrante de celle-ci.
Il est donc important de travailler aussi son recadrage au même titre que son cadrage initiale de la prise de vue car c’est une opération essentielle pour parfaire une photo.
En quoi recadrer apporte à votre photo
Toujours en fonction du message que vous souhaitez transmettre dans votre image, le cadrage permet d’influencer visuellement de rendu du contenu de la photo. Voici quelques raisons justifiant le recours au recadrage de photos. Cette liste n’est évidemment pas exhaustive mais permet juste l’illustrer le propos de cet article.
Recadrage carré
Pour un premier exemple concret, je vous invite à aller lire ou relire l’article sur les contrastes où j’ai expliqué pourquoi j’ai fait le choix de recadrer ma photo du sac à dos devant le Tau lors d’un voyage en Italie.
Contraste de forme et de couleurs complémentaires
Supprimer les zones de l’image qui n’apporte pas d’information
Illustration du recadrage pour supprimer les zones inutiles
Ici l’espace dans le ciel totalement bleu n’apporte aucune information pertinence à la photo. De plus, recadrer l’image à l’horizontale accentue la profondeur de l’image en renforçant l’impression de grande distance des montages et évoque un sentiment de calme au lieu.
Peaufiner le positionnement des éléments dans l’image
Illustration du recadrage pour replacer les éléments importants de la photo sur les points forts
Ici, le sujet de la photo est la danse. Les deux groupes de personnes de chaque côté polluent le message car n’aide pas à attirer le regard sur le couple de gauche qui donne du mouvement à l’ensemble de la photo. De plus, en focalisant l’image telle que recadrer, les musiciens au fond reprennent de l’importance.
Redresser l’horizon
Illustration du recadrage pour redresser l’horizon d’un paysage
Ici, pas de commentaire particulier à faire mis à part qu’il est absolument important d’avoir un horizon rigoureusement horizontal dans les photos de paysage.
Modifier après coup le message initiale de la photo
Illustration du recadrage pour modifier le message porté par la photo
Sur la photo initialement cadrée, le sujet principal était le poteau en pierre et le phare lui faisait écho de par la vague similitude de forme allongée, brune et verticale. Avec le recadrage, je change cette relation et le sujet principal devient de texte gravé à la place du poteau lui-même. Par conséquent, le phare est en relation avec le texte et plus avec le poteau. Par la même occasion, je supprime deux éléments gênants la lecture qui sont la pierre au sol et le buisson jaune.
Partagez ici vos avis à propos du recadrage des photos. Quels sont vos usages réguliers ? Quels sont vos astuces ? L’espace commentaire de l’article vous tend les bras…
Vignette d'illustration de l'article concernant l'effet yeux rouges
Il n’est pas rare de constater, particulièrement lorsque nous utilisons un appareil photo avec le flash intégré, que nos amis ou des membres de notre famille ont les yeux rouges. Ceci est totalement normal du point de vue physique mais cependant pas tolérable du point de vue esthétisme. Je vais donc vous expliquer dans cet article comment et pourquoi ce phénomène se produit puis vous expliquer les astuces que nous pouvons mettre en oeuvre pour limiter ou éviter cet effet.
Pourquoi les yeux sont rouges en photographie
Comme nous pouvons le voir sur le schéma ci-dessous, nos yeux sont des globes que nous pouvons décrire succinctement en deux partie différentes en similitude avec nos appareils photo :
une partie que je qualifierai d’optique (ensemble cornée, pupille, iris et cristallin),
une partie que je qualifierai de capteur (la rétine et ses vaisseaux sanguins).
Illustration de la structure d’un œil pour expliquer le phénomène de l’effet yeux-rouges en photographie.
Lorsque nous sommes dans l’obscurité, notre œil a besoin de plus de quantité de lumière pour y voir. Pour ce faire, l’iris s’écarte pour augmenter la taille de la pupille.
C’est exactement le même principe avec notre appareil photo. Quand nous avons besoin de plus de lumière pour correctement exposer notre photo, nous ouvrons plus le diaphragme de notre objectif.
L’œil a donc bien régler son système optique pour faire ça. Par conséquent, plus de lumière vient éclairer la rétine de l’œil, c’est à dire le capteur. Nous voyons donc mieux.
Dans le cas du déclenchement d’un flash pour prendre notre photo, tout ce passe comme décrit précédemment, sauf que…
L’émission de l’intense de lumière du flash de l’appareil est tellement puissante et rapide que notre œil n’a pas le temps de réagir pour corriger son exposition en réduisant sa pupille.
Ceci engendre que la lumière qui entre dans l’œil éclaire tellement le fond de l’œil et se trouve alors comme inondé de lumière. Comme la rétine possède énormément de vaisseaux sanguins, la lumière réfléchie ressort alors colorée par la teinte de notre sang, c’est à dire rouge !
Notre appareil photo capte donc cette couleur au niveau des pupilles de notre modèle qui présente alors cet effet yeux-rouges !
Comment éviter les yeux rouges sur les photos
La compréhension du phénomène tel que décrit ci-dessous permet d’identifier les trois facteurs suivants à maîtriser pour éviter cet effet yeux-rouges :
la quantité de lumière,
la taille de la pupille,
l’angle de réflexion de la lumière.
Limiter la sur-quantité de lumière
Ici, il faut comprendre que si la quantité de lumière est excessive, celle-ci se reflétera trop fortement sur la rétine et plus la pupille sera dilatée et plus il est facile pour la lumière de ressortir de l’œil.
Nous pouvons donc agir ainsi :
limiter la puissance de votre flash directement sur votre appareil,
vous éloigner de votre sujet afin d’en réduire la puissance suivant la loi du carré inverse de la lumière,
diffuser votre lumière pour réduire la puissance lumineuse et limiter l’aspect directionnel des rayons.
Réduire la pupille pour limiter l’entrée de lumière dans l’œil
C’est sur ce facteur, que les fonctions anti yeux-rouges des appareils photo fonctionnent. Ici le but est d’émettre des pré flashs avant le flash de prise de vue afin de laisser le temps aux pupilles de se rétrécir.
Si l’environnement de la scène le permet, le fait d’augmenter la luminosité de l’environnement au maximum permettra de forcer l’œil à réduire naturellement sa pupille.
Positionner le flash correctement
La vraie problématique de yeux-rouges repose sur le fait que le reflet de la lumière du flash sur la rétine de l’œil est visible depuis l’objectif de l’appareil photo. Décaler la position du flash par rapport à l’axe œil/appareil photo, revient à décaler le reflet de manière à ce qu’il sorte du champ visuel de l’appareil.
Le schéma suivant illustre mon propos :
Illustration de l’influence de la position désaxée du flash sur l’effet yeux-rouges.
Comme nous le voyons sur l’illustration ci-dessus, les rayons lumineux d’un flash intégré après réflexion sur l’œil viennent frapper directement l’objectif et se trouvent donc dans l’image (rayon rouge). Par contre, avec l’usage d’un flash cobra, qui est lui beaucoup plus désaxé, a ses rayons de lumière réfléchis qui sortent du champ visuel de l’appareil (rayon bleu).
Nous n’avons donc quasiment jamais des photos présentant des yeux rouges avec les flashs cobras.
Comment corriger une photo qui a des yeux rouges
Dans Lightroom
Dans le logiciel Lightroom, il existe l’outil « correction des yeux rouges« . Il suffit de cliquer sur chacune des pupilles pour qu’elles deviennent noires. Ci-dessous, l’aperçu des paramètres de cet outil.
illustration de l’outil correction des yeux rouges de Lightroom.
Dans Photoshop
Dans Photoshop, il se trouve aussi un outil de correction des yeux rouges comme le montre l’image suivante :
A l’aide cet outil, vous avez juste à réaliser un cadre de sélection autour de la pupille pour que Photoshop corrige l’image. Les tests que j’ai personnellement effectués m’ont déçus, c’est pourquoi je vous propose ma méthode manuel suivante.
Illustration des étapes de correction des yeux rouges dans PhotoshopIllustration de l’empilage des calques de correction des yeux rouges
Comme vous pouvez le voir, j’ai réalisé l’opération en plusieurs étapes :
J’ai appliqué un calque de Teinte/Saturation dans lequel j’ai choisi de travailler uniquement sur les rouges et où j’ai totalement baissé la saturation et la luminosité.
Ensuite j’ai appliqué un calque courbe sur chacune des pupilles pour les foncer au bon niveau pour chacune d’elle.
Enfin j’ai renforcé l’éclat de lumière dans l’œil à droite pour raviver le regard en faisant un point blanc avec le pinceau.
Evidemment, l’ensemble de ces calques s’applique localement grâce aux masques de fusion que nous voyons sur la droite de chacun d’eux.
Je suis Vincent Bouvais du blog Initiation-Photo.com.
Je vous propose aujourd’hui, une petite vidéo d’annonce.
En effet, depuis quelques mois, j’ai commencé mon blog dans le but de partager mes connaissances photo avec ceux qui souhaitent :
progresser dans la technique photo bien sûr
progresser en photomontage aussi
mais aussi dans le développement de leur créativité.
Afin d’être au plus proche de vos attentes, je souhaite recueillir de votre part, un maximum de questions en commentaire de cette vidéo afin que je puisse y répondre rapidement en vidéo sur cette chaîne YouTube et sur mon blog.
Mon but est d’être avant tout efficace pour répondre à vos besoins de la manière la plus réactive et précise possible.
Dans le cas où des sujets nécessiteraient un approfondissement particulier, je serai peut-être amené à rédiger une réponse plus complète et précise sous forme d’article dans mon blog.
Je le répète, mon but est de vous apporter un maximum de valeur ajouter dans ces domaines.
Alors, lâchez-vous, posez toutes vos questions et à très bientôt en vidéo pour les réponses.
Voici mon premier tutoriel de photomontage couvrant l’intégralité du processus de création. Tout le cheminement y est décrit de la réflexion du concept au photomontage final en passant par la réalisation des prises de vues nécessaires. Le thème est de saison, il s’agit de réalisé votre propre carte de vœux personnalisée pour la nouvelle année 2018.
Joyeuse Année 2018
Les étapes essentielles pour créer votre carte de vœux
Lorsque l’on souhaite créer quelque chose, il y a des étapes essentielles à respecter. Celles-ci sont les suivantes :
détermination de la finalité,
définition des contraintes techniques,
définition du message à transmettre,
esquisse du projet,
définition des éléments à mettre en oeuvre,
collecte ou réalisation de ces éléments,
réalisation du projet.
Processus de création
Détermination de la finalité
Ici, mon projet est assez simple : je souhaite réaliser une carte de vœux pour la nouvelle année 2018 que je puisse envoyer par e-mail à ma famille et mes amis. De plus, je souhaite que les cette image puisse se placer en fond d’écran de leurs ordinateurs.
Définition des contraintes techniques
A partir de la définition générale de mon projet ci-dessus, il en découle les contraintes techniques suivantes :
poids de l’image <500Koctet,
définition de l’image égale à 1920 x 1080 pixels pour s’adapter à la résolution standard des écrans d’ordinateur
Définition du message à transmettre
Après quelques minutes de réflexion, j’ai décidé que la carte devra porter les messages suivants :
bonheur,
accueil chaleureux,
modernité.
Mon conseil pour cette phase est de trouver le bon équilibre de manière à être assez précis mais sans apporter trop de contraintes. Le but est pouvoir définir assez précisément le projet sans risquer de tomber dans un problème insoluble car trop fermé par le nombre de contrainte.
J’attire aussi l’attention sur le fait de glisser un contraste sous-jacent permettra de donner plus de force à l’image et au message au final.
Esquisse du projet
C’est ici que le projet va prendre forme de façon plus visuelle et plus précise. Pour ce faire, je vous invite à prendre une feuille de papier et un crayon pour commencer à réfléchir comment apporter la réponse à notre projet défini ci-dessus… Pour vous aider, n’hésitez pas à aller voir sur internet des exemple de carte de vœux existantes qui pourraient vous inspirer.
Voici l’esquisse de mon projet :
Illustration de l’esquisse de ma carte de nouvel an pour mon projet photographique.
Définition des éléments à mettre en oeuvre
Maintenant que j’ai les idées claires de l’image que je souhaite réaliser, je vais lister les éléments intermédiaires à produire ou à récupérer.
la photo des coupes de champagne,
la photo ou les photos de bokeh en forme de cœur.
Collecte ou réalisation de ces éléments
J’ai pris la décision de réaliser l’ensemble des photographies moi-même.
Photo des coupes de champagne
Pour la photo des coupes de champagne, j’ai installé mon setup de prise de vue illustrée par la photo suivante.
illustration du setup de prise de vue des coupes de champagne.
Voici la liste du matériel mis en oeuvre :
un flash Nikon SB-700,
deux déclencheur radio CACTUS v6,
un pied photo pour tenir le flash,
un diffuseur pliable,
un pied microphone pour maintenir le diffuseur pliable,
une plaque de plexiglas translucide blanche,
une table support,
un pupitre de musicien pour maintenir le fond noir en tissu feutré,
un pied photo,
mon appareil photo avec mon objectif Sigma 100 mm macro.
La photo réalisée des coupes de champagne est la suivante :
résultat de la prise de vue des coupes de champagnes
Photos du bokeh
Pour réaliser le bohek en forme de cœur, l’astuce consiste a déposer un cache en carton opaque devant l’objectif dont la forme de la découpe représente le symbole souhaité. Voici la photo du cache positionné sur l’appareil :
illustration du cache nécessaire pour la modification des formes du bokeh.
Enfin, j’ai utilisé une guirlande électrique pour faire les points lumineux générant les éclats du bokeh. La photo suivante montre la suspension de la guirlande électrique sur mon pied micro. Ici, pas d’utilisation du flash. J’ai juste augmenter le temps de pose pour capter uniquement les lueurs des ampoules de la guirlande. Ensuite, j’ai pris plusieurs photo en modifiant la distance de mise au point en tournant simplement la bague adéquate de l’objectif, le boitier de l’appareil étant réglé sur mise au point manuelle évidemment.
Illustration du setup pour la réalisation des photos de bokeh.
Les photos réalisées sont les suivantes :
Exemple 1 de prise de vue de bokeh en forme de cœur.
Exemple 2 de prise de vue de bokeh en forme de cœur.
Exemple 3 de prise de vue de bokeh en forme de cœur.
Exemple 4 de prise de vue de bokeh en forme de cœur.
Réalisation du projet
Maintenant, que j’ai l’ensemble des photographies nécessaires, il ne reste plus qu’à réaliser le montage dans Photoshop. Je vous invite à regarder la vidéo ci-dessous pour suivre les différentes étapes et mes commentaires pour la réalisation de l’ image finale. La vidéo étant assez longue, n’hésitez pas à augmenter la vitesse de lecture de celle-ci pour aller plus vite et ralentir si besoin aux moments qui vous seront nécessaires.
Erratum : Dans la vidéo, le format de l’image indiqué est 1920 x 1024 pixels alors qu’il faut choisir 1920 x 1080 pixel ! Merci de prendre en compte cette correction pour ne pas vous faire avoir comme moi. 😉
Ici, le lien pour télécharger les brushes photoshop utilisées dans la vidéo : water-splash-brushes
A vous de jouer
N’hésitez pas à laisser en commentaire de cet article vos remarques et un lien vers votre propre carte personnalisée. Je suis curieux et impatient de les découvrir.
Comme nous allons le voir, la réponse à la question “Quelle résolution dpi d’image est nécessaire pour mon impression photo ?” est simple. Cependant, pour bien la comprendre plusieurs notions sont importantes à connaitre. Certaines sont physiologiques telle que le champ de vision humain et le pouvoir de séparation. Des autres sont techniques comme la taille d’impression, la définition et la résolution d’une image. Enfin les conditions d’utilisations et la distance d’observation rentrent aussi en jeu.
Différence entre résolution et définition d’image
Avant d’entrer dans le vif du sujet, il est peut-être utile de rappeler de quoi il s’agit quand on parle de résolution d’image.
La plupart du temps, il y a confusion avec le terme “définition” d’image.
La définition d’image
C’est simplement le nombre de pixels de la photo exprimé dans le sens horizontal et vertical.
Des exemples de définitions d’images sont :
1920×1080, 800×600,1600×1200,
3008×2000, 4256×2832, 5568×3712
Toutes ces chiffres sont exprimés en pixels (px).
La résolution d’image
C’est le nombre de pixel par unité de longueur en pouce (inch=pouce=2,54cm). Cette grandeur est justement utile quand on souhaite imprimer une image en maîtrisant la finesse de celle-ci.
Nous parlons de
dpi (= dot per inch) en anglais,
ppp (point par pouce) en français.
Dans le milieu de la photo la dénomination anglais est plus courante.
Illustration de la pixellisation provoqué par une faible résolution d’image par rapport à sa taille.
Illustration de la non-pixellisation provoqué par une résolution adéquate de l’image par rapport à sa taille.
Impact des limites de la vision humaine sur la qualité d’impression
Quand nous souhaitons imprimer une photographe ou même un document, c’est pour qu’il soit regardé. Ici, nous allons rapidement aborder deux notions de la vision humain dont il est bon d’avoir conscience pour bien comprendre la suite de cet article.
Le champ de vision des humains
Effectivement, les humains ont un champ de vision limité dans l’espace. Ceci nous oblige à prendre du recul par rapport à un objet afin de pouvoir le voir dans son intégralité.
C’est le même phénomène qui nous oblige à monter un objectif grand-angle à la place d’un téléobjectif pour pouvoir cadrer l’ensemble d’un monument si nous sommes trop près de lui.
Schéma de la vision humain
Le pouvoir de séparation de l’œil humain
La seconde notion pertinente à connaitre est le pouvoir de séparation.
Il s’agit de l’angle minimum formé au niveau de l’œil et de deux points successifs d’une image. La grandeur de cet angle est définie par la limite de distinction de ces deux points. En dessous de cet angle, les points se confondent.
La valeur limite de cet angle est d’environ 0.017° pour l’humain.
Schéma explicatif du pouvoir de séparation de l’œil.
Abaque permettant de définir la résolution d’image nécessaire en fonction de la distance à laquelle la photo est observée.
Quels sont les impacts ?
De ces deux notions, il en découle les deux impacts suivants :
La taille de l’objet impacte sur notre distance d’observation pour le voir entièrement.
Notre acquitté visuel dépend de la distance nous séparant de objet regardé.
Voici un petit jeu pour illustrer le propos de cet article
Mise en évidence de la limite du pouvoir de séparation de l’œil humain. Regarder l’image de prêt puis de loin. Vous constaterez qu’à une certaine distance, l’image ne change plus.
Impact du choix de l’utilisation du tirage sur les caractéristiques d’impression
La seconde notion importante à avoir en tête au moment de la décision d’imprimer une photo, c’est l’usage qu’il sera fait de cette dernière.
En effet, si la photo est destinée à illustrer un article dans un journal classique, la qualité du papier est telle qu’il ne sera pas pertinent de trop monter la résolution d’image.
De même, comme évoqué plus haut, si l’impression de la photo est réalisée en grand format, la distinction des détails précis ne sera pas pertinent.
En pratique, comme choisir sa résolution dpi adéquate
Voici les quelques valeurs de références à garder en tête :
tirage d’art : fournir la meilleures qualité possible sans interpolation
tirage photo de bonne qualité : entre 150 dpi et 360 dpi en fonction des format
supports publicitaires : entre 72 et 150 dpi en fonction de la taille
En réalité, la plupart du temps, il suffit de se référer aux tableaux d’aides disponibles chez les nombreux laboratoires de développement photo.
Et si vous imprimez vous même vos photos, alors ne vous bridez pas. Garder la meilleure qualité possible car qui peut le plus peu le moins.
Est-ce utile d’avoir un capteur avec beaucoup de pixels pour imprimer en grand format ?
Maintenant que vous en savez plus, il est évident que non. La course au pixels n’est plus du tout en rapport avec la qualité d’impression des photos…
Illustration générale de la gestion de la colorimétrie d'un photomontage.
Définition
Un photomontage est la création d’une image dont l’aspect général ressemble à une photographie, mais qui est issue de l’assemblage de plusieurs autres images.
Les images sources peuvent être de 2 types :
des photographies,
des images de synthèse au rendu photo-réaliste.
Photomontage vs Photo
Le principal intérêt d’un photomontage par rapport à une prise de vue réelle est la possibilité d’ajouter des effets spéciaux de façon relativement facile. C’est à dire avec le minimum de ressources (argent, participant, décor, frais de déplacement…)
Il en découle donc naturellement que cette pratique permet d’accéder à un niveau de créativité sans limite pour illustrer la plus farfelue, étrange ou surprenante des images que nous pourrions imaginer dans nos esprits.
Règles du jeux
Pour bien réaliser un photomontage, il est nécessaire de reproduire de façon artificielle les phénomènes physiques qui entrent en jeu dans la vraie vie.
Pour vous aider à comprendre ceux-ci, je vous expose ci-dessous les différents aspects à prendre en compte pour bien assembler vos photos sources.
Les cohérences techniques
Comme nous l’avons vu dans la définition, le principe du photomontage est d’assembler plusieurs images différentes. Il est alors nécessaire de bien les sélectionner de manière à ce quelles soient au maximum cohérentes entre elles.
Nous allons donc voir, chacun des paramètres importants à prendre en compte lors de cette sélection afin de faciliter l’intégration des éléments initialement indépendants qui formeront l’image finale.
La lumière
Comme quasiment tout le monde sait, la photographie est réalisée à la base avec de la lumière. Il est donc absolument nécessaire que l’ensemble de la scène soit beignée dans la même lumière.
Il existe 7 paramètres définissant la lumière. Plus nous saurons reconnaître ceux-ci et plus facilement nous saurons faire notre sélection d’images.
De plus dans le cas où vous souhaitez réaliser les prises de vue spécifiques, il sera d’autant important d’apprendre à les maîtriser pour recréer les éclairages nécessaires.
Pour en apprendre plus sur ce sujet, je vous invite à lire l’article :
L’un des paramètres important influant sur le rendu d’une photographie est la longueur focale. En effet, celle-ci, associée à la distance de prise de vue, modifie particulièrement la représentation de la perspective d’une scène.
En adaptant la distance boitier/sujet pour que le sujet reste visuellement de même taille, nous pouvons rapidement résumer l’effet ainsi :
courte focale = angle de vue très large = accentuation de la perspective
longue focale = angle de vue très étroit = perspective “écrasée” ou réduite
Effet de zooming pour illustrer la modification de la perspective en fonction de la longueur focale.
Une astuce pour faciliter la recherche de photo compatible et de rechercher cette information dans les données EXIF de vos photos.
La netteté
En fonction du réglage de l’ouverture du diaphragme de l’objectif, l’image produite présentera plus ou moins de flou de profondeur de champ.
Quand on réalise un assemblage, il est important que les différents éléments constituant l’image globale respecte ses niveaux de netteté. Ainsi, il sera nécessaire de flouter un personnage si d’aventure, on l’ajoutait dans un fond flou de par la profondeur de champ.
Pour mieux maîtriser cet aspect, je vous invite à lire l’article :
Les couleurs d’une photo proviennent habituellement de la température de couleur des sources lumineuses éclairant la scène. Il est donc nécessaire de prendre en considération ce paramètre afin que le photomontage semble naturel.
Mon astuce pour ce faire est de neutraliser les balances de couleur de chaque image source afin que l’ensemble garde une homogénéité lors de l’assemble. C’est seulement une fois que le montage est terminé que j’applique les dominances de couleurs nécessaires à l’ambiance globale. De cette manière, la colorimétrie est bien uniforme pour la scène.
Illustration générale de la gestion de la colorimétrie d’un photomontage.
Les cohérences visuelles
Il faut savoir que dans la vraie vie, chaque objet agit sur ses voisins avec la lumière. Les phénomènes listés en suivants sont à recréer pour bien intégrer les éléments rajoutés.
Les types d’ombre
Il en existe deux grands types :
les ombres propres
les ombres portées
Les ombres propres correspondent aux ombres présentes directement sur l’objet, alors que les ombres portées sont celles projetées par l’objet sur un autre.
De manière générale, les ombres propres permettent de rendre le volume de l’objet et les ombres portées aident à intégrer l’objet dans son environnement.
Illustration des ombres propres sur divers objets.Illustration des ombres portées de divers objets.
Colorisation des ombres portées
Il est aussi important de prendre conscience que les ombres sont colorées. En effet, bien quelles soient sombres, elles revoient par réflexion la teinte de l’objet en question ainsi que la teinte de la source de lumière.
Illustration de la colorisation des ombres par la lumière indirecte.
Colorisation des ombres portées par diffusion de la lumière
Si l’objet a un matériau translucide, la lumière qui passe à travers celui-ci, prend la même teinte. La conséquence et que l’ombre devient ainsi colorée.
Illustration de la colorisation des ombres par la diffusion de la lumière.
Colorisation par la lumière indirecte
A l’opposée de l’ombre se trouvent les surfaces éclairées et lumineuses. Il faut savoir qu’une partie de la lumière qui éclaire ces surfaces, rebondissent pour éclairer des objets adjacents avec une petite modification. En effet, cette lumière, dite “indirecte”, se trouve alors teintée de la couleur de l’objet sur lequel la lumière a rebondi.
Pour recréer ce phénomène, s’il entre en jeu significativement dans votre scène, il faut teinter les ombres de façon adéquate.
Illustration de la colorisation des ombres par la lumière indirecte.
Colorisation par les reflets
De façon extrême, quand la réflexion de la lumière est totale, il y a apparition de reflet. Ceci est particulièrement le cas pour certains matériaux bien lisses et polis. Il est donc important d’intégrer l’image reflétée là où il se doit.
Illustration de la colorisation des reflets.
La profondeur
Une photographie est une représentation en deux dimensions d’une scène en trois dimensions. Il est donc important de comprendre comment cette troisième dimension est mise en valeur dans une photo. Ainsi, vous serez alors capable de simuler ces phénomènes à bon escient.
Il existe 2 phénomènes principaux :
la perte de contraste avec la distance
la perte de saturation avec la distance
Ils sont particulièrement visibles en paysage où l’horizon s’estompe progressivement.
Physiquement, ce phénomène est dû aux particules présentent dans l’atmosphère et qui filtrent et diffusent les rayons lumineux. Un cas extrême est le brouillard.
