Maitriser la lumière passe aussi par la compréhension de celle-ci. Pour vous accompagner dans cet apprentissage, je partage donc avec vous les 7 caractéristiques de la lumière. Ainsi, vous pourrez anticiper son comportement et ainsi mieux réaliser vos photographies en toute connaissance de cause.
Fiche PDF – Les 4 autres caractéristiques de la lumière
Le filtre polarisant n’est pas un filtre comme les autres. Je vous explique quelle est sa valeur ajoutée et comment l’utiliser pour obtenir des photographies avec de belles couleurs vibrantes.
Fiche PDF – Avertissement à propos du filtre polarisant
Le filtre polarisant est le seul filtre qui n’est pas simulable en post-traitement.
Fixé à l’avant de l’objectif comme d’importe quel autre type de filtre, il possède une bague rotative permettant de l’orienter par rapport à la lumière.
Constitué d’un réseau de franges, il permet de stopper les composantes polarisées de la lumière reflétée ou diffusée.
Placé directement devant une source lumineuse, il permet aussi de polariser la lumière le traversant.
A quoi ça sert ?
La lumière polarisée est un peu partout autour de nous.
C’est notamment la lumière des reflets sur une surface d’eau, une sur vitre, ou même sur la majorité des surfaces comme les tuiles, les briques…
Cela étant dit, la valeur ajoutée du filtre polarisant est donc
La suppression des reflets spéculaires
La saturation des couleurs (du ciel en particulier)
Illustration de l'article à propos du système de déclenchement des flashes NIKON SU-4
Le système radio de déclenchement des flashes cobras est l’un des systèmes les plus populaire. Cependant, d’autres systèmes existent tels que le système SU-4 de la marque NIKON qui a aussi leur avantages non-négligeables et peut donc être une réelle solution à vos besoins. Dans cette vidéo, je partage avec vous les avantages et inconvénients du système de déclenchement des flashes SU-4 de chez NIKON.
00:00 – Présentation 00:05 – Sujet 00:11 – Principe de fonctionnement 00:25 – Aucune communication 01:38 – Adapté à la prise de vue ultrarapide 01:00 – Compatible avec tous les autres systèmes de flash 01:03 – Attention à l’orientation de la cellule de détection du flash 01:22 – Réglage manuel directement sur le flash 01:49 – Uniquement disponible en natif chez la marque NIKON (pas certain de moi pour ce point) 03:13 – Pouce vers le haut 02:18 – Abonnement YouTube 02:25 – Abonnement blog
Partagez avec moi en commentaire votre avis et réflexion à propos de ce sujet.
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illustration de l'article à propos de l'orientation verticale ou horizontale du cadrage
L’une des premières décisions à prendre lors de la prise de vue d’une photographie, est le choix de l’orientation du cadrage. En fonction de celui-ci, vous allez pouvoir intégrer à votre photographie des éléments différents si votre cadre est vertical ou horizontal. Bien évidemment, cela influencera énormément le message transmis par votre image. Dans cet article, je partage avec vous les critères à prendre en compte pour faire votre choix de l’orientation du cadrage en bonne connaissance de cause.
Impact de l’orientation à la prise de vue
Le premier impact de l’orientation d’une photo est souvent subi inconsciemment par le photographe.
En effet, la majorité des appareils photo ne dispose pas des doubles commandes telles que l’on puisse trouver sur les gros appareils reflex. Cela paraît être un petit détail technique, mais il impacte inconsciemment bon nombre de photographes ne possédant pas d’appareils avec cette fonctionnalité. L’intégralité des commandes des boîtiers est placée de manière à être naturellement utilisée lors de l’orientation d’un cadrage horizontale. Cet état de fait, incite donc fortement à utiliser ces appareils dans le sens horizontal et non vertical.
Je vous invite à prendre quelques minutes pour parcourir rapidement votre banque de photos. Certainement, vous vous rendrez compte que vous réalisez la majorité de vos photographies dans le sens horizontal. C’est la raison principale de l’existence des grips pour appareil photo au-delà de l’augmentation de l’autonomie de l’appareil photo par l’ajout de batteries supplémentaires.
Avec ce type d’accessoire, vous garderez la même praticité d’utilisation de l’appareil photo en orientation verticale.
Le deuxième impact principal que le photographe rencontrera au moment de la prise de vue est la différence des éléments de la scène qu’il pourra intégrer dans son cadrage.
Si les éléments importants de votre scène se trouvent disposés verticalement, il sera peut-être judicieux d’opter pour une orientation verticale plutôt qu’horizontale. C’est particulièrement le cas pour les photos de portraits.
Impact de l’orientation sur la lecture de l’image
Dans les civilisations occidentales, le sens de lecture est classiquement de gauche vers la droite pour l’orientation horizontale et de haut vers le bas pour l’orientation verticale.
Cette convention est à particulièrement prendre en compte lorsque vous souhaitez guider le regard du spectateur dans votre photo.
Si nous prenons l’exemple d’un escalier photographié de côté, si le bas de l’escalier se trouve dans le coin inférieur gauche de la photo et le haut dans le coin supérieur droit de celle-ci, le spectateur comprendra inconsciemment que l’escalier monte.
L’escalier semble monter de part le sens de lecture occidental de gauche vers la droite
Cependant, si vous inversez la prise de vue de l’escalier de manière à ce que le haut de l’escalier soit dans le coin supérieur gauche et le bas dans le coin inférieur droit, le spectateur comprendra inconsciemment que l’escalier descend.
L’escalier semble descendre de part le sens de lecture occidental de gauche vers la droite
Revenons au sujet du choix de l’orientation du cadre en verticale ou horizontale, en nous appuyant sur le même exemple de l’escalier.
En fonction de votre angle de vue, si vous cadrer l’escalier verticalement, la photo transmettra l’idée que l’escalier est plus raide que si la photo est cadrée à l’horizontale.
L’escalier semble très pentu de part le choix du cadrage vertical
L’escalier semble peu pentu de part le choix du cadrage horizontal
Émotions transmises en fonction de l’orientation du cadrage
Vous trouverez ci-dessous de façon succincte, le type d’émotion transmise en fonction de l’orientation de votre cadre.
Cadrage horizontal :
Stabilité,
Calme,
Sérénité,
Douceur,
…
Cadrage vertical :
Instabilité,
Force,
Dignité,
Virilité,
…
Exercices
Afin de mettre en application ce que nous venons de voir ensemble, je vous invite à faire une petite sortie photo pendant laquelle je vous propose de systématiquement prendre en photo les mêmes sujets orientés de façon horizontale ET verticale.
Je vous invite alors une fois vos photos déchargées sur votre ordinateur, à analyser les différentes émotions que vous pouvez ressentir à la vision du cadrage verticale ou horizontale de chacune de vos prises de vue.
L’objectif de cet exercice est de vous faire prendre conscience de l’impact émotionnel que provoque le choix de l’orientation de vos prises de vue.
En complément de cet article, vous pouvez lire ou relire mon article précédent concernant la puissance du recadrage.
Laissez-moi en commentaire votre retour d’expérience concernant cet exercice afin de poursuivre ce sujet de façon plus interactive.
Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite à vous abonner au blog pour vous assurer d’être au courant de chaque nouvelle parution d’article. Enfin, venez compléter mon sondage afin de m’aider à mieux connaître vos attentes et ainsi vous proposer un contenu adapté à vos besoins.
Illustration de l'effet de halo de lumière dans les cheveux d'une modèle en contre-jour
Que ce soit dans le domaine de la photographie ou du photomontage, la compétence de savoir déchiffrer le schéma d’éclairage d’une photo modèle est utile. En effet, comprendre de l’éclairage d’une scène, dans un tableau de peintre par exemple, permet de progresser rapidement dans sa propre pratique.
Dans le cadre de ce blog, cette pratique est essentielle pour maîtriser la réalisation de photomontage où la cohérence de l’éclairage est obligatoire pour obtenir un rendu réaliste. Dans un premier temps, vous serez apte à choisir des photos cohérentes entre elles puis dans un second temps, après un peu d’entraînement, vous serez même capable de produire vos propres photographies.
Que faut-il regarder
Pour analyser l’éclairage d’une photographie, il est important de savoir quoi regarder. C’est à travers des détails spécifiques que l’on est capable de reconstruire le set-up d’une photo.
Voici une liste recensant quelques points spécifiques à regarder pour mener cette analyse :
Pour certaines photos, il est d’usage de regarder des éléments spécifiques qui nous aideront mieux évaluer les critères ci-dessus listés.
Photo de portrait
La photographie de portrait est l’une des activités les plus répondue en photographie. Il est alors important de connaître ses petits trucs et astuces que je vais vous citer ci-dessous.
Les yeux
Il est souvent dit que le regard est le reflet de l’âme. En photographie, il est le reflet du set-up. En effet, regarder attentivement les catchlights dans les yeux du modèle permet de directement voir la géométrie des sources lumineuses ou autres accessoires utilisés tels que des réflecteurs.
C’est ainsi que vous pourrez reconnaître le reflet d’une fenêtre, d’un réflecteur, d’une boîte à lumière, ou la forme caractéristique d’un éclairage annulaire. Ce type d’accessoires est souvent utilisé dans le cadre des photos de portrait réalisées en studio.
Pour vous aider à les reconnaître, il est utile de connaître un minimum le matériel classique de photo de studio.
Illustration du reflet des éclairage dans le catchlight des yeux
Illustration du reflet des éclairage dans le catchlight des yeux
Le nez
Le second point important d’un visage à regarder est le nez. En effet, celui-ci projette une ombre en fonction de l’orientation de la lumière. Grâce à celui-ci, vous connaîtrez facilement sa direction. Mais vous aurez aussi une idée de la taille de la source en fonction de la douceur de son ombre projetée.
Pour rappel, plus une ombre est douce et plus sa source lumineuse est grande ou proche.
Mise en évidence de l’ombre portée du nez dans un portrait
Mise en évidence de l’ombre portée du nez dans un portrait
Les cheveux
En photographie, il est d’usage de détacher le sujet de son fond avec un éclairage en contre-jour par exemple. C’est souvent le cas en particulier pour les cheveux sombre des modèles devant un fond noir.
Un éclairage en contre-jour provoquera une forme de halo de lumière sur la périphérie de la chevelure. Cet effet s’obtient par diffraction de la lumière due à la finesse des cheveux.
Illustration de l’effet de halo de lumière dans les cheveux d’une modèle en contre-jour
Illustration de l’effet de halo de lumière dans les cheveux d’une modèle en contre-jour
La silhouette
De manière identique à la chevelure, pour détacher une veste noire dans un fond sombre, et souvent d’utiliser des stripbox placées latéralement pour venir juste souligner les contours de ce dernier par un liseré de lumière très fin. Procéder ainsi permet de réaliser un contour de la silhouette.
Illustration de l’utilisation de stripbox pour réaliser un liseré de lumière pour détacher le sujet du fond
Illustration de l’utilisation de stripbox pour réaliser un liseré de lumière pour détacher le sujet du fond
Photo de paysage
Dans la plupart des photomontages, il sera nécessaire d’utiliser un lieu pour la photo. Celui-ci pourra être un décor intérieur ou un paysage extérieur.
Le relief
Pour un paysage, chercher à repérer le relief de celui-ci. Il présentera peut-être des vallées et des collines ou tout au moins des points culminants. Au même titre que le nez pour un visage, ces lieux permettront de mieux repérer l’orientation des ombres.
Illustration des ombres portées du relief d’un paysage
Le ciel (nuages ou non)
Le ciel est aussi très important dans l’analyse. Il peut contenir la position du soleil. On sort et alors que vous serez en contre-jour. De plus, les ombres seront dures, car le soleil est très du point de vue des objets.
Si ce n’est pas le cas, l’omniprésence de nuages vous indiquera que les ombres devront être douces.
Dans le cas d’un ciel bleu, vous serez que les ombres seront légèrement à teinter de bleu.
Concernant la table de la couleur la position du soleil dans le ciel peut aussi vous indiquer la température de couleur à utiliser. Les matins et les soirées sont dorés alors que la lumière d’un soleil à midi et blanc.
Illustration de 2 types de ciel différents; le 1er avec une lumière dur due au soleil, le 2ième une lumière adoucie par les nuages
La végétation
Si vous vous trouvez en présence d’arbre, la lumière sera naturellement teintée par la couleur de l’environnement, c’est-à-dire les feuilles. Une teinte verte devra être perceptible.
Si vous constatez des feuilles illuminé par la lumière par la transparence, cela vous aidera aussi à positionner la source lumineuse à l’arrière de cet objet. Encore une fois, nous nous trouverons dans le cas de figure d’un contre-jour.
Illustration de la teinte de la lumière par l’environnement (vert des feuilles) et contre-jour mis en évidence par la translucidité de la mousse.
Les constructions
Dans un paysage plus urbain, les constructions telles que les bâtiments permettront de mieux distinguer les ombres et les lumières. La direction de l’éclairage sera d’autant plus facile à déterminer.
De la même manière que les yeux en portrait, les reflets dans les vitres peuvent vous aider à localiser la position du soleil ou des éclairages urbains.
Illustration des ombres portées des bâtiments d’une ville
Trucs et astuces
Dans Photoshop, il est utile d’utiliser le calque seuil. En manipulant le curseur de ce calque, vous verrez facilement apparaître de quel côté, la lumière provient comme le montre l’illustration ci-dessous.
Illustration de l’usage de calque d’effet Seuil sur la photo de paysage pour mieux distinguer la provenance de la lumière.
Je vous invite à me laisser un commentaire. Quelles sont vos propres astuces pour mieux déchiffrer les sources lumineuses et la reconstitution des set-up de vos photos exemples.
Photo d'illustration de l'article à propos de la préparation de la séance photo de couple lors d'un mariage.
Il est d’usage de réaliser une séance de photos de couple à l’occasion de son mariage. Ce moment particulier permet d’immortaliser la jeunesse des jeunes tourtereaux. Mais pas seulement. C’est aussi un moment intime pour les mariés et en particulier quand cette séance est réalisée le jour J. Dans cet article, je partage avec vous mes conseils pour que ce moment réponde aux attentes des mariés, mais qu’il soit aussi vécu comme un moment de calme et d’intimité pour les mariés au beau milieu de cette journée spéciale pour eux qui file à 100 km/h.
Critère de préparation de la séance
Une telle séance photo ne doit pas prendre trop de temps dans cette journée déjà très remplie. C’est la raison pour laquelle je conseille de ne réserver qu’un créneau de 1 heure à 1 heure 30 minutes maximum.
Dans ce laps de temps, doivent figurer la séance en elle-même, mais aussi les temps de trajet. On comprend bien qu’en fonction du ou des lieux de prise de vue, il restera plus ou moins de temps pour prendre les photos.
Il est donc nécessaire de bien préparer la séance de manière à ne pas perdre de temps pour rien.
De manière synthétique, voici les critères à considérer :
Identifier les lieux de prise de vue,
Lister les idées de photo à prendre,
Trouver les solutions adaptées pour gérer les aspects logistiques divers pour la séance.
1. Identifier les lieux de prise de vue
Il s’agit d’un des points les plus importants de la préparation pour plusieurs raisons.
La détermination du lieu dépend des attentes des mariés, car il doit correspondre à leur état d’esprit et à leurs personnalités. C’est pourquoi, il est souvent nécessaire de bien réfléchir en amont pour trouver LA solution idéale.
Dans les faits, il s’agit plutôt de trouver les deux solutions idéales, car il faut toujours un plan B. On évoque la plupart du temps le risque de la météo au cas où il pleuvrait. Mais d’autres imprévus peuvent survenir, comme par exemple :
La porte est clause,
Des travaux ont commencé et le lieu est défiguré,
Le lieu est déjà trop occupé,
Finalement, la personne qui devait donner l’accès n’est pas présente,
L’autorisation obtenue n’est finalement pas acceptée, …
Il faut aussi veiller si possible que les deux lieux ne soient pas trop éloignés l’un de l’autre pour limiter les pertes de temps par le trajet supplémentaire éventuel.
Pour le photographe, arriver dans un lieu sans y avoir mis les pieds une première fois, peut le déstabiliser ce qui se traduirait encore une fois par une perte de temps précieux. Pour ce point en particulier, le contraire pour être vrai aussi, car la découverte d’un lieu peut stimuler la créativité. Au photographe de faire son choix en toute responsabilité.
De part toutes ces raisons, je vous incite donc à y aller quelques jours avant et à l’heure prévue de la séance. Vous pourrez ainsi étudier tranquillement les questions suivantes :
Comment est l’orientation de la lumière ?
Où sont les zones d’ombre ?
Quels sont les points de vue les plus intéressants ?
Comment utiliser à bon escient les aménagements existants ? …
Mettre en évident le cadre dans lequel les mariés se sont dit oui
2. Lister les idées de photo à prendre,
Tout ce que vous pourrez anticiper est bon à prendre. Il vous faut donc une bonne trame de base pour commencer vos photos de couple pour ne pas risquer de vous gratter la tête par manque d’inspiration momentané peut-être dû au stress de la journée.
Préparer donc en avance avec vos mariés, une liste de photo à réaliser avec un ordre d’importance. Pour aller plus loin, il peut aussi être intéressant de construire cette série de photos sous forme de story-board. Cela vous permettra de donner du sens à la séance est de naturellement construire une suite logique qui donnera plus de sens à l’ensemble.
Si vous choisissez ce dernier format, essayez de faire coller le fil directeur du story-board avec le thème déco du mariage et les valeurs des mariés. Je vous invite à lire au relire l’article précédent à propos de comment faire connaissance avec vos mariés.
Une fois que les lignes principales de la série sont construites, prenez un peu de recul et commencer à évoquer chacune des idées de photo avec l’œil pratique. Interrogez-vous sur ce dont vous aurez besoin pour les réaliser :
Quels sont les accessoires indispensables à utiliser par les modèles ?
Quels sont les matériels indispensables pour réaliser techniquement les photos ?
Quelles sont les photos piliers qui donnent le sens à la série ?
…
Une fois le mariage terminé, il est d’usage que les jeunes mariés envoient une carte de remerciement à leurs invités. La séance de photo de couple est donc l’occasion pour réaliser spécialement une photographie pour cet effet. Les symboliques du chemin, du départ vers une nouvelle vie, … peuvent être des pistes à exploiter pour guider votre inspiration.
Utilisation d’accessoires décalés pour apporter une touche singulière au classiques photo de mariés.
3. Trouver les solutions adaptées pour gérer les aspects logistiques divers pour la séance.
A ce stade, vous connaissez quelles sont les photos à réaliser, où les réaliser et avec quels accessoires. C’est bien de savoir tout ça, mais ce n’est rien tant que ça reste qu’une vision de l’esprit. Il va donc falloir concrétiser tout ça. En un mot, logistique !
Où allez-vous récupérer les accessoires ?
Qui va les emmener sur le lieu du shooting ?
Que fait-on de tout le matériel après la séance photo ?
Qui s’occupe d’obtenir les autorisations d’accès éventuelles ?
Tout ceci n’est qu’un échantillon des questions que vous devez vous poser et répondre en commun avec les mariés.
Tout ce travail préparatoire, vous permettra d’avoir un ensemble de lignes directrices et des solutions identifiées qui vous libérera l’esprit le jour J. Ainsi, vous serez naturellement plus serein et plus disponible pour gérer vos modèles VIP.
Pour vous aider à gérer l’ensemble des actions à réalisées, j’ai l’habitude de demander aux mariés de trouver un ou deux assistants parmi leurs invités pour m’aider à gérer la logistique lors de la séance de photo de couple.
Rassurez-vous, aucune compétence photographique n’est utile pour ce rôle. C’est pourquoi à chaque fois, j’ai pu obtenir cette aide sans difficulté. De plus, les personnes sollicitées sont souvent curieuses de voir comment se déroule une séance photo et son totalement disponibles et motivées pour endosser cette mission.
Exemple de photo de couple mettant en scène la passion des mariés.
Illustration de l'influence du cadre lors de la composition
Commençons par le commencement. Avant même que vous fassiez une photographie ou une image, la majorité du temps, vous en avez déjà les limites ! Je veux bien sûr parler du cadre physique de l’image.
La question typique des photographes…
Contrairement au dessin ou à la peinture, la photographie s’appuit obligatoirement sur une scène réelle. Le processus mental de composition de l’image est totalement différent.
Au lieu de réfléchir, comme un peintre, en se posant la question : “Qu’est-ce que je pourrai ajouter à mon image ?”, le photographe, lui devra se poser la question “Qu’est-ce que je devrai supprimer de ma photo ?”.
Evidemment, c’est deux questions ont le même but ultime : porter au mieux le message à transmettre au spectateur.
Plusieurs techniques existent pour masquer les éléments perturbateurs d’une photo. Mais le plus efficace reste de simplement l’exclure du cadre de la photo. Ceci peut se faire
par le choix de l’objectif
zoomer avec l’aide de votre bague
se déplacer
orienter son appareil suivant un autre angle de vue
…
Prendre conscience de l’influence du cadre !
Quoi qu’il arrive, quand on regarde dans le viseur ou sur l’écran de notre appareil photo, nous constatons immédiatement la présence du cadre qui délimite le champ de la prise de vue. Prendre une photo c’est donc prendre qu’une portion d’espace-temps de la scène qui se déroule devant nous.
A ce stade, si vous l’avez lu dans un article précédent, il se peut que vous pensiez à la célèbre “Règle des Tiers”. Pour rappel et en une phrase, cet outil permet d‘agencer correctement votre sujet à l’intérieur de votre photo.
Ici mon propos est différent car nous parlons uniquement des bords limites de la photo. Nous n’avons pas moyen de faire abstraction de ce cadre. Par conséquent, nous sommes influencés par celui-ci. Et ceci, sans forcement nous en rendre compte.
En réalité, il s’agit donc d’un des paramètres qui influence le plus notre composition.
L’exemple le plus évident pour illustrer ce phénomène est simplement le fait de choisir l’orientation de notre photo : horizontale ou verticale.
En fonction de notre sujet, nous allons naturellement orienter notre photo dans le sens qui nous semble le plus adapté :
cadrer un paysage à l’horizontale,
et un portrait à la verticale.
Profiter de cette contrainte pour stimuler votre créativité
Comme je l’explique dans mon livre « Sur le chemin de votre INSPIRATION« , la créativité est fortement liée aux contraintes que nous subissons.
Il est donc bon, de prendre conscience de la présence de ce cadre pour l’utiliser au mieux.
Voici quelques idées pour illustrer mon propos.
Sortir des stéréotypes
Comme dans l’exemple ci dessus, la grande majorité des gens prendrons un paysage avec une orientation horizntale. Et bien, pourquoi pas faire radicalement le contraire. Faites de même à propos d’un portrait :
Illustration de cadrage en dehors des standards
Illustration de cadrage en dehors des standards
Utiliser le cadre
Mettre en évidence notre sujet à l’aide du cadre.
Illustration de l’utilisation du cadre de l’image
Illustration de l’utilisation du cadre de l’image
Substituer le cadre
Quitte à avoir un cadre, pourquoi pas directement le prendre en photo. C’est ce qu’on appelle souvent : le cadre dans le cadre :
Illustration du cadre dans le cadre à la prise de vue d’une photographie
Illustration du cadre dans le cadre à la prise de vue d’une photographie
A vous de jouer
Il existe une multitude de solutions qui s’offrent à vous. Je vous invite donc à réfléchir et à pratiquer lors de vos prochaines sorties photos pour sortir de vos habitudes. Concentrez-vous sur cet aspect, et je suis certain que vous reviendrez avec des photos qui sortiront de l’ordinaire.
N’hésitez pas à commenter et partager votre retour d’expérience.
En photographie, le “matériau” le plus important est la lumière. Et pour cause, le terme “photographie” est composé :
du préfixe “photo-” qui signifie « lumière » ou « clarté »,
du suffixe “-graphie” qui signifie « peindre », « dessiner » ou « écrire ».
Photographier signifie donc “peindre avec la lumière”.
Ceci étant, il est donc essentiel de bien connaitre les paramètres de celle-ci afin de comprendre leurs effets dans une scène ou sur un sujet. Evidemment, l’étape suivante sera de jouer avec ceux-ci pour influer sur le rendu de l’image.
Les paramètres
Ces 7 paramètres sont les suivants :
l’intensité lumineuse de la source,
la température de couleur de la source (= la teinte de la source),
la polarité de la lumière,
la diffusion,
la taille apparente de la source (du point de vue du sujet éclairé),
la distance séparant la source lumineuse du sujet éclairé,
l’orientation de la source lumineuse par rapport au sujet et à l’observateur.
1. L’intensité
Il s’agit simplement de la puissance lumineuse de la source. Il existe plusieurs unités pour exprimer cette caractéristique en fonction du matériel utilisé.
Sur les ampoules classiques, on a longtemps utilisé le Watt (W),
Sur les nouvelles ampoules à LED, on utilise le Lumen,
Sur les flashcobra, on utilise le Nombre Guide (NG). Il est toujours exprimé pour 100Iso et une focale de 50mm en équivalent 24×36.
Sur les flash de studio, on utilise le Joule (J),
Dans tous les cas, plus la valeur est élevée et plus l’intensité est forte.
Le point le plus important à savoir est :
“L’intensité de la lumière se divise par le carré de la distance.”
Bon, pour être plus clair, rien de mieux qu’un exemple.
Supposons que vous êtes dans votre salon, la soirée est déjà tombée et grondent au loin quelques orages de fin d’été. Vous êtes en train de lire un livre passionnant sur la photographie. Pour ce faire, vous vous êtes confortablement installé dans votre fauteuil à coté d’une lampe de 25W à 1 mètre environ de votre livre.
Tout à coup, un claquement de tonnerre vous fait sursauter et au même instant, vous remarquez que l’ampoule de votre lampe vient de griller. Frustré de ne pas pouvoir continuer votre lecture comme avant, vous décidez de remplacer cette ampoule. Malheureusement, celle de rechange affiche 100W.
A quelle distance devez vous placer cette nouvelle ampoule pour retrouver le même éclairement que précédemment ?
Avec
D = distance livre / ampoule de 100W,
d = 1 m (distance livre / ampoule de 25W),
P25 = 25W (puissance de l’ampoule 25W),
P100 = 100W (puissance de l’ampoule 100W)
La réponse est D = 2m car P25 / d2 = 25W / (1m)2 = 100W / (2m)2 = 100W / 4.
Dit autrement, la puissance lumineuse est divisée par 4 (=22) quand on double sa distance la séparant de son sujet.
Rassurez vous, dans la vraie vie, on ne s’amuse pas à calculer ces chiffres. Nous regardons juste la luminosité de notre livre tout en déplaçant notre lampe jusqu’à ce que le rendu revienne comme avant.
Utilité :
Cette propriété est très pratique car elle permet de faire varier l’intensité d’une source lumineuse juste en la rapprochant ou en l’éloignant du sujet.
2. La température de couleur
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La température de couleur (TC) est exprimée en degré Kelvin (K). C’est la manière dont les photographes expriment précisément les différents niveaux de teinte que la lumière naturelle ou artificielle peut avoir.
On parlera de lumière chaude quand la couleur se rapprochera du jaune/rouge. TC < 6500K,
On parlera de lumière froide quand la couleur se rapprochera du bleu. TC > 6500K.
Pour information, la lumière du jour à midi sous le soleil est justement au alentour de 6500K (lumière dite “blanche”).
Cette gamme s’étendre couramment de 1500K (Lumière d’une bougie) à 10000K (lumière du ciel polaire).
Fig. 1 – Gamme de la température de couleur de la lumière
Mais attention au vocabulaire !
Comme on peut le remarquer ci-dessus, une lumière chaude est caractérisée par une faible température de couleur et inversement, une lumière froide est caractérisée par une forte température de couleur. Cela peut prêter à confusion.
Pour illustrer cette propriété, il suffit de penser aux illuminations les soirs en ville comme l’image suivante :
Fig. 2 – mise en évidence des différences de température de couleur entre la lumière froide du ciel et les lumières chaudes des éclairages urbains.
Utilité :
Ce comportement permet d’apporter du contraste à une image et développer des ambiances particulière.
3. La polarité
Du point de vue physique, la lumière est une oscillation électromagnétique ! Ouah ! mais quel est ce charabia ?
D’une certaine manière, on peut imaginer la lumière comme étant des petits éléments, les photons, qui se déplacent en hélicoïdale (comme si leur trajectoire suivait le fil d’un ressort).
La figure ci-dessous représente ce que nous verrions sur nous regardions dans l’axe du “ressort”.
Fig. 3 – Schématisation du mouvement d’un photon en fonction de la polarité
Quand la lumière est polarisée, c’est comme si les photons pouvaient se déplacer uniquement suivant une direction définie, soit verticalement, soit horizontalement. Tant que le photon oscille au moins sur un axe, il y a de la lumière. Dans le cas où il est bridé dans 2 directions perpendiculaires, le photon n’est plus capable d’osciller. Par conséquent, il n’y a plus de lumière.
Mais comment faire pour polariser la lumière. Il y a deux façons :
Par rebond sur une surface polarisante. C’est typiquement le cas d’un écran à cristaux liquides.
A travers un filtre polarisant. C’est le cas des verres de certaines lunettes de soleil.
Utilité :
En photo de paysage, un filtre polarisant permet de supprimer une partie des reflets de la lumière du soleil. Les deux conséquences principales sont la saturation des couleurs et de mieux voir à travers les vitres ou la surface de l’eau.
En photo de studio, il est possible de mieux gérer les reflets spéculaires de certains matériaux comme le plastique par exemple.
4. La diffusion
Comme vous devez certainement le savoir, la lumière se déplace en ligne droite à notre échelle. Cela signifie que tous les rayons lumineux d’une source de lumière éclairent radialement dans toutes les directions depuis celle-ci jusqu’à ce qu’ils heurtent une surface.
Plusieurs possibilités peuvent se produire en fonction du matériau de l’objet heurté :
La lumière peut être réfléchie. C’est le cas extrême du miroir.
La lumière peut être absorbé. C’est le cas d’une surface noir et opaque.
La lumière peut être transmise. C’est le cas des matériaux transparents.
La lumière peut être diffusée. C’est ce dernier cas qui nous intéresse dans ce chapitre.
Fig. 4 – Schémas de principe de la Réflexion, Absorption et Transmission
La diffusion est la réaction de la lumière quand elle heurte une matière translucide à la différence de transparent. Concrètement quelle est la différence entre les deux phénomènes ?
Commençons par le plus simple. Un matériau transparent permet de voir à travers en nous permettant de bien distinguer les formes et les couleurs des objets derrières. Ceci est possible, car ce type de matériau dévie très peu les rayons de la lumière. L’image est transmise avec peu de déformation.
Maintenant, les matériaux translucides. Ils sont souvent moins purs et leur structure interne plus chaotique. C’est comme si chaque rayon pénétrait un peu la matière. Une partie de sa lumière est réfléchie dans une autre direction alors que le reste continue son chemin. Ces deux nouveaux rayons (internes à la matière) rencontrent alors d’autres aspérités et le phénomène se répète. Si l’intensité de la source lumineuse initiale est assez forte, des rayons lumineux arrivent néanmoins à ressortir de cet objet translucide.
Dans ce cas, l’image transmise est complètement brouillée au point de simplement illuminer l’objet translucide.
Fig. 5 – Schéma de la diffusion de la lumière
Utilité :
La diffusion est particulièrement utilisée pour transformer une source de lumière ponctuelle en source large. (cf. chapitres suivants)
5. La taille “apparente”
Régler la lumière en photographie signifie le plus souvent arranger le rendu des ombres de la scène. En effet, il n’y a pas de volume dans une image sans ombre. L’autre terme largement utilisé en photo est “Le modelé” de la scène.
Seule la taille de la source apparente par rapport au sujet influe sur le rendu des ombres. Il existe 2 types de rendu :
Les ombres aux bords très marqués dites “dur”,
Les ombres aux bords flous dites “douce”.
Fig. 6 – présentation des ombres « dures » et « douces »
Fig. 7 – Schémas des rayons d’une source lumineuse dure ou douce
Comme nous l’avons déjà dit au chapitre précédent, les rayons lumineux se déplacent en ligne droite radialement depuis leur source.
Sur le schéma de gauche, nous sommes en présence d’une source lumineuse très petite assimilable à un point unique. De ce fait tous les rayons émanant de ce point ne peuvent attendre la surface du sol masquée par l’objet. La transition de l’ombre est donc bien distincte (Figure 6, image de gauche).
Sur le schéma de droite, la source de lumière est très large est déborde même de l’objet. Sa surface peut être assimilée à une infinité de sources ponctuelles dont quelques unes sont représentées. On constate alors qu’une plus grande surface du sol est éclairée. La transition de l’ombre est donc progressive en dégradé (Figure 6, image de droite).
Utilité :
Ce phénomène est très intéressant pour modeler les ombres sur un portrait par exemple. Le cas classique est d’utiliser des sources larges pour apporter de la douceur dans un portrait de femme. A l’inverse, on utilisera des sources ponctuelles pour renforcer les caractères viriles d’un portrait masculin.
6. La distance lumière / sujet
Nous avons déjà vu 5 paramètres importants. Le sixième est un paramètre particulier car il est le lien entre 2 paramètres que nous avons déjà abordés. Ceux sont les suivants :
Intensité,
Taille apparente.
En effet dans le premier chapitre, nous avons vu que l’intensité lumineuse évolue en fonction de la distance.
Mais il ne faut pas oublier que la taille apparente de la source se réduit aussi avec la distance.
En pratique, cela fonctionne comme ce qui suit.
La plupart des sources lumineuses en photographie sont réglables en intensité à l’aide d’un potentiomètre. Quand nous avons cette option à disposition, nous sommes “les rois du monde” !
Méthode
Il suffit simplement
de régler le rendu des ombres (dur ou douce) en fixant la distance de la source de lumière par rapport au sujet,
de compenser la perte de luminosité par le réglage de l’intensité via ce fameux potentiomètre. Et le tour est joué !
Mais vous me direz peut-être :
“Moi, je n’ai pas de matériel sophistiqué ! Alors comment je peux faire si je n’ai pas la possibilité de régler l’intensité ?”
L’astuce est la suivante. il suffit d’intercaler un matériaux diffusant entre la source et le sujet. Car l’effet de diffusion élargira la surface d’éclairement de la source. Dans l’exemple suivant, j’ai juste utilisé une feuille de papier sulfurisé de cuisine qui résiste bien à la chaleur d’une ampoule allumée.
Fig. 8 – Modification de la taille d’une source lumineuse par un matériau diffusant
Utilité :
Permet simplement de régler le modelé des ombres et/ou la puissance lumineuse.
7. L’ orientation de la source
Pour ce dernier point, l’objectif est d’orienter les ombres de manière à les projeter dans la direction la plus adaptée à notre besoin.
Plutôt qu’un long discours, une mosaïque d’image sera plus compréhensible. Les flèches jaunes indique la direction de l’éclairage. Sur la figure du centre, l’éclairage est directement de face.
Fig. 9 – Influence sur les ombres de l’orientation de la lumière
Utilité :
La position de la lumière par rapport au sujet permet de donner du caractère au sujet et d’en révéler les volumes.
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