Je vois très souvent des photographes amateurs qui n’utilisent pas leur pare-soleil comme si ils ne savaient pas l’utilité de cet accessoire ! Dans ce vidéo, je partage avec vous 4 astuces simples du pare-soleil. je vous invite notamment à regarder jusqu’à la fin pour découvrir une astuce créative particulièrement intéressante !
Partagez avec moi en commentaire votre avis et réflexion à propos de ce sujet.
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illustration de l'article du photomontage la tête dans la Lune
Photomontage illustrant l’expression « la tête dans la Lune »
“La tête dans la Lune” est une expression évoquant l’aspect rêveur de la personne à l’opposé de celles dites “avec les pieds sur terre”. La créativité est plus proche des étoiles que du reste. C’est la raison pour laquelle j’ai choisi d’illustrer la créativité par cette image.
Explication du comment
Pour la réalisation de cette image, j’ai commencé par réfléchir au visuel globalement afin de me définir les contraintes suivantes :
Autoportrait mettant bien en évidence le haut du crâne,
Besoin d’une Lune suffisamment nette pour qu’elle soit le centre d’intérêt principale.
J’ai commencé le travail par la Lune. Après une recherche rapide dans ma banque d’images personnelles et sur internet, je me suis vite rendu compte que j’avais des difficultés pour obtenir une photo de la Lune suffisamment nette.
J’ai donc changé mon fusil d’épaule et je me suis orienté vers la modélisation 3D avec Blender.
Modélisation 3D de la Lune avec Blender
Pour ce faire, j’ai téléchargé une texture haute-définition de la Lune que j’ai mappé sur une sphère formée de nombreuses facettes. Une fois la Lune obtenue, il me restait à trouver ou réaliser mon autoportrait.
En fouillant dans mes archives, je suis retombé sur une photographie de moi “en samouraï”. Elle faisait partie de mon projet 365 jours de l’époque. Elle était parfaite pour mon objectif du moment :
La position de la tête permettait de bien mettre en évidence le haut du crâne,
La position des mains et l’expression du visage donnaient un côté humoristique à l’ensemble, comme si je réalisais un effort de réflexion intense,
Le bandeau autour de la tête permettait de facilement gérer la transition entre de visage et la Lune,
Le torse nu donnait une impression de pureté naturelle qui fonctionnait bien avec l’idée de la nature et des étoiles.
Autoportrait en position samouraï réutilisé pour le photomontage « La tête dans la Lune »
Le format de l’autoportrait était horizontal. J’ai donc commencé par étendre celle-ci verticalement afin d’obtenir de place en partie supérieure pour y intégrer la Lune et la Voie-Lactée (photo téléchargée sur Pexels.com).
Photo Pexels de la Voie-Lactée
Le rendu 3D de la Lune par Blender m’a permis de directement exporter l’image au format PNG. Ainsi, je n’ai pas eu besoin de travailler son détourage, celui-ci étant parfaitement réalisé lors du calcul de l’image.
J’ai placé et redimensionné la Lune au niveau de mon crâne, puis j’ai effacé à l’aide d’un masque de fusion la partie de la Lune cachée par le bandeau. Pour finaliser l’intégration de celle-ci, j’ai ajouté une ombre de contact sur la Lune au plus proche du bandeau.
Au-dessus de l’ensemble de l’image, j’ai ajouté la photographie de la Voie-Lactée afin de donner plus de corps au fond de l’image et j’ai atténué les étoiles au niveau de mon visage.
Enfin, j’ai ajouté un effet de halo sur le bord de la Lune afin d’ajouter un intérêt visuel supplémentaire à la photo et pour mieux fondre la Lune avec le reste de l’image.
J’ai aussi légèrement flouté la Lune, car celle-ci était beaucoup trop nette par rapport à la photo de mon autoportrait.
Pour finaliser, j’ai utilisé le module Color Efex Pro 4 du plugin Nik Collection de Google afin d’ajouter des dominantes de couleurs bleu/vert et le flou de contour. Ce dernier guide fortement le regard vers le centre de l’image sur la Lune et renforce l’idée de créativité et d’imagination.
Autocritique
Le photomontage final correspond bien à l’image que j’avais en tête et il me semble qu’elle porte bien le message humoristique d’effort de créativité intense illustrant l’expression “être dans la Lune”.
Je trouve que le rendu 3D de la Lune a bien fonctionné.
Le 14 juillet approche à grand pas et c’est la raison pour laquelle je vous écris cet article aujourd’hui. L’idée de vous donner assez de temps avant le jour J pour vous y préparer. Dans cet article, je partage avec vous les informations nécessaires pour correctement photographier un feu d’artifice.
Matériel nécessaire
Photographier un feu d’artifice est très proche de la technique du light painting ou plus globalement de la photo de nuit.
Le matériel indispensable pour réaliser de bonnes photos dans de telles conditions est d’utiliser un trépied stable.
Quel que soit l’appareil photo que vous possédez, vous devriez être capable de photographier correctement un feu d’artifice.
Si votre boîtier possède le réglage automatique feu d’artifice, vous pouvez l’utiliser dans ce cas de figure, car il adapte automatiquement les réglages pertinent à ce type de scène.
Si vous souhaitez maximiser la qualité de vos photos, je vous conseille d’utiliser les accessoires suivants :
Un trépied photo stable,
Un déclencheur souple ou une télécommande pour votre boîtier,
Un boîtier permettant le mode manuel.
Illustration de l’article à propos de l’usage créatif du trépied.
Mode opératoire
Stabilité
Installer votre boîtier sur votre trépied photo, en vous assurant que ce dernier est bien placé sur une surface stable.
En cas de vent, n’hésitez pas à utiliser votre sac photo pour stabiliser l’ensemble en le suspendant à votre trépied. Il servira alors de lest à celui-ci.
Si vous souhaitez augmenter encore le degré de netteté de vos images, et peut-être intéressant dans ce cas de l’utilisation d’un boîtier reflex, d’utiliser la fonctionnalité de lever du miroir avant la prise de la vue. Cette option permet de laisser le temps au trépied d’absorber la micro vibration due au mouvement mécanique du miroir du boîtier. Afin de compenser le délai de prise de vue, vous devrez vous concentrer pour anticiper cette perte de temps à chaque photo.
Mise au point
Du point de vue de l’appareil photo, les feux d’artifice se trouvent à une distance équivalente à l’infini. Afin de ne pas risquer de perdre du temps avec un autofocus qui patine, il est tout simplement bon de verrouiller manuellement votre mise au point de votre objectif sur l’infini.
Dans le cas où vous souhaitez mettre en évidence le décor de la scène devant vous, je vous invite à fermer votre diaphragme suffisamment pour augmenter votre profondeur de champ. Le compromis classique est de l’ordre de f/8 ou f/11. Sachant que plus vous fermer votre diaphragme et plus vous risquez d’avoir des aberrations chromatiques sur votre image. Cela dépend aussi de la qualité de votre objectif.
Pour information, la majorité des objectifs possède leur meilleur piqué autour de la valeur f/8.
ISO minimal
Les boîtiers ont particulièrement du mal à gérer le bruit dans les basses lumières. Or, dans le cas de la photographie de feu d’artifice, la majorité de vos clichés présentera un ciel très sombre. Vous risquez donc d’avoir énormément de bruit dans ces zones sombres.
Afin de limiter cette impact, il est nécessaire d’utiliser les valeurs d’ISO les plus basse.
Ceci ne pose pas de problème d’exposition, car la luminosité des feux d’artifice est largement suffisante pour que le capteur enregistre leur trace.
Longue exposition
Lorsque l’on souhaite enregistrer un feu d’artifice, il est nécessaire que la prise de vue s’étendre sur toute la durée de parcours de la fusée.
Ceci signifie, que votre temps de pose devra être de plusieurs secondes. Avant de peaufiner cette durée, je vous invite à commencer votre prise de vue à partir de 4 secondes. Cette durée devrait être suffisante pour enregistrer tout le parcours d’une fusée.
Je vous invite à ajuster cette durée en fonction de la réalité du terrain.
Dans le cas où votre photo serait mal exposée, je vous conseille d’ajuster le paramètre ISO ou d’ouverture plutôt que la durée d’exposition.
Privilégiez le format RAW
Une photo de feu d’artifice possédera un contraste extrême. Afin de mieux enregistrer ces informations, il est bon de privilégier le format RAW de votre appareil photo.
Ainsi, vous aurez moyen d’enregistrer beaucoup plus de détails dans les basses et les hautes lumières.
Lors du poste traitement de votre photographie, vous pourrez ainsi pleinement profiter de toute la qualité du capteur de votre matériel.
Créativité
Pour apporter de la créativité à vos clichés de feu d’artifice, je vous invite à judicieusement définir votre point de vue.
Illustration de l’intégration d’un monument dans une photo de feu d’artifice (source : https://www.pexels.com)
Portez notamment votre attention sur les points suivants :
Faire en sorte d’intégrer un monument remarquable, permettant de situer le lieu du feu d’artifice.
Essayer d’inclure un plan d’eau dans le cadre afin de profiter des reflets des feux d’artifice pour augmenter la présence de couleur à votre cliché.
Prenez en photo le lieu au moment de l’heure bleue, souvent bien avant le tirage du feu d’artifice, afin d’intégrer au poste traitement le décor à vos photos de feux d’artifice.
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Illustration de l'article sur le processus de créativité
La créativité est un exercice qui peut se travailler quotidiennement pour être développé, mais c’est aussi un processus en quatre étapes donc l’application rigoureuse vous apportera les résultats espérés. Ce processus en 4 étapes est celui développé par Graham Wallas, professeur et théoricien en sciences politiques et en relation International, né en 1858 et mort en 1932. Dans cet article, je partage avec vous les étapes clé de la démarche.
Champ d’application
Développer sa créativité est utile dans de multiples domaines tel que :
Le domaine artistique,
Le domaine technique,
La stratégie dans le business…
Depuis de nombreuses années, de nombreux outils ont été développés pour stimuler notre esprit à produire de nouvelles idées originales et innovantes. Un bon nombre d’entre eux est basé sur la démarche en quatre étapes du processus créatif de Graham Wallas.
Avant de détailler chacune des étapes, voici de façon synthétique, l’énumération de celles-ci
Etape 1 : L’imprégnation,
Etape 2 : L’incubation,
Etape 3 : L’illumination,
Etape 4 : La production.
Respecter ce processus rigoureusement lors de vos séances de créativité, vous permettra, à coup sûr, de produire des idées originales et adaptées à vos problématiques.
La créativité peut concerner la forme plutôt que le fond
L’imprégnation
Avoir des idées, c’est bien, encore faut-il bien définir à quelle problématique, doivent-elles répondre.
Cette première étape, appelée imprégnation, a pour objectif de définir le plus précisément possible la problématique que l’on souhaite résoudre avec nos idées créatives.
Il s’agit donc ici, de clairement exprimer le périmètre et l’objectif à atteindre pour résoudre votre problématique.
Une fois cette action réalisée, rassembler le maximum d’information en rapport avec celle-ci, afin d’alimenter votre future réflexion. Plus vos données seront claires et complémentaires les unes aux autres et plus vous serez en capacité de créer des liaisons originales entre l’ensemble de celles-ci.
Procédez à des recherches documentaires,
Rassemblez des éléments statistiques,
Récupérez des exemples de solutions déjà existantes …
Enfin, listez vos premières idées évidentes ou spontanées pour procéder à la purge de votre esprit dans le but de libérer votre mental de toute idée préconçue.
Consignez l’ensemble de ces informations par écrit en utilisant un outil de mise en forme de cartes mentales peut pleinement vous aider à cette phase. J’utilise personnellement une ancienne version gratuite de EdrawMindMap sur mon PC et l’App android gratuite miMind sur mon téléphone.
Grâce à la créativité, vous pouvez mettre en évidence des liaison entre plusieurs éléments
L’incubation
La magie de la créativité !
La phase d’incubation est la plus facile, mais aussi la plus surprenante.
En effet, il est extrêmement important à cette étape, de ne plus penser consciemment à votre sujet. C’est en procédant exactement ainsi que votre inconscient prendra le relais, pour trouver tout seul la solution à votre problème.
C’est en lâchant prise, que tout naturellement votre cerveau droit (le cerveau créatif) prendra le relais sur votre cerveau gauche (le cerveau rationnel). Pour l’aider dans cette tâche, il est conseillé de vaquer à des occupations qui ne sollicitent pas fortement votre mental. Par exemple, vous pouvez :
pratiquer la musique (comme Sherlock Holmes),
faire du sport,
faire une balade dans la nature…
La créativité peut directement survenir à la prise de vue.
L’illumination
La phase d’illumination est ce que l’on peut appeler “l’instant Eurêka”.
Il peut survenir à n’importe quel moment de votre journée sans même vous prévenir. Ce moment est très fugace. C’est donc la raison pour laquelle vous devez toujours garder avec vous un moyen de prendre des notes pour ne pas laisser s’évanouir bêtement votre solution.
Si vous souhaitez aller un petit peu plus loin, il est aussi souvent conseillé de vous autoriser un moment de libre expression de vos pensées, sans aucune censure de votre part, comme par exemple tous les matins juste après votre réveil.
C’est en effet lors des moments où votre cerveau gauche n’est pas totalement opérationnel, que vous pouvez pleinement accéder à la créativité de votre cerveau droit. Ces moments sont par exemple le matin au réveil, le soir après une bonne séance de sport ou tous autres moments faisant appel à vos automatismes physiques comme pendant la conduite de votre voiture par exemple.
Se faire confiance est la clé de la qualité de votre lâcher prise, qui garantira l’atteinte de vos objectifs.
L’utilisation de certaines techniques photographiques peuvent apporter de la créativité à vos photos
La production
Cette dernière étape est le moment où vous allez évaluer la qualité de votre créativité.
Passez en revue vos idées du point de vue :
pratique,
coût de réalisation,
réponse à votre besoin initialement exprimé (carte mentale de l’étape 1),
avantages et inconvénients,
…
Si la solution vous convient, il vous reste à construire puis à dérouler le plan d’actions pour la réaliser.
Si malheureusement la solution ne vous convient pas, relisez l’ensemble des informations que vous avez établi à la première étape puis réitérer l’étape 2 d’incubation. Bref, il vous suffit de relancer le processus complet.
Une petite modification en post-traitement peut apporter une touche de créativité qui change radicalement le message de la photo d’origine.
À retenir
Les points clé de la production créative sont les suivants :
Bien définir votre problématique,
Rassembler un maximum d’informations autour de celle-ci,
Laissez-vous assez de temps pour que votre inconscient travail à votre place,
Soyez convaincu de votre capacité à produire des idées créatives et originales,
Ayez pleinement confiance en votre capacité de lâcher prise.
Enfin, la qualité de vos idées créatives est directement liée à votre niveau d’exigence tel que vous le faites déjà certainement lors de la sélection des photos que vous partagez. Plus votre niveau d’exigence sera élevé, plus votre tri sera drastique, et plus la qualité perçue de votre production sera élevée.
Ce qui est vrai dans le processus photographique l’est aussi pour le processus de créativité.
Je vous invite à laisser un commentaire vos trucs et astuces que vous avez l’habitude d’utiliser pour stimuler votre créativité.
Abonnez-vous au blog de manière à toujours être informé de la sortie des nouvelles publications et obtenir par la même occasion mon livre “sur le chemin de votre INSPIRATION”. Un grand merci à vous qui prendrez quelques minutes de votre temps, pour compléter mon SONDAGE, dans le but de mieux connaître vos attentes et m’aidera ainsi à adapter le contenu de mes articles en fonction de vos besoins.
Dans cet article, je partage avec vous mon opinion à propos des projets type 365 ou 52. J’aborderai le principe, les avantages et les difficultés. Enfin, je finirai en partageant avec vous le retour d’expérience de mon propre projet 365.
Enfant heureux
Principe de ce type de projet
S’il y a un projet dont le principe est simple, c’est bien celui-là. En effet, il se résume en seulement une poignée de mots très simples à comprendre.
Le projet 365 correspond à 1 photo par jour sur toute une année.
Le projet 52 correspond à 1 photo par semaine sur toute une année.
Le seul point important ce type de projet est donc la cadence et la régularité de parution.
Vous constaterez qu’il n’y a aucune autre contrainte telle qu’exprimé ainsi. Mais évidemment, vous être libre de définir un peu plus la finalité de votre production en y ajoutant des contraintes diverses. Le résultat final n’en sera que plus intéressant pour les spectateurs.
Différents effets visuels sur une même photo
Les avantages
Les avantages sont nombreux et à différents niveaux.
Focalisation
En effet, comme tout projet, il a une part de travail à fournir et du temps à y consacrer. Ceci implique donc une stimulation omniprésente durant toute sa durée. Ainsi, vous vous garantissez d’être focalisé sur votre passion pendant 1 année entière !
Développement de votre créativité
365 photos ou 52 photos sont des quantités non négligeables. Les premières idées viendront facilement. Mais au bout d’un moment, il faudra commencer à vous creuser la tête. C’est à partir de ce moment-là que le projet devient intéressant. Au fur et à mesure que vous allez produire de nouvelles idées, votre esprit deviendra entraîné à en trouver d’autres. Cette tâche restera toujours difficile, mais vous devriez être de moins en moins sans aucune idée ou totalement perdu.
Il ne faut pas oublier que la créativité, ça se travaille. C’est justement ce à quoi sert ce type de projet.
Sur la durée, vous développerez des liens entre différents centres d’intérêts et créerez des liaisons entre domaines que vous n’auriez pas imaginés spontanément.
Développement de vos compétences
Avoir des idées, c’est bien. Mais les mettre en pratique, c’est mieux. Vous allez donc pratiquer très régulièrement votre activité. Vous devrez certainement aborder des techniques nouvelles pour tenir la distance.
Naturellement, vous acquerrez des réflexes et des habitudes d’usage avec vos divers matériels et outils. Votre savoir-faire se développera donc petit à petit.
Satisfaction personnelle
Imaginez-vous à la fin de votre projet regardant tout le chemin que vous auriez parcouru ! Rien qu’à l’idée, je suis certain que vous pouvez déjà ressentir une certaine satisfaction personnelle…
La fierté d’avoir tenu la distance d’abord. Conduire un projet pendant une année entière n’est pas anodin. Ensuite, la joie de constater que vous aurez acquis de nombreuses nouvelles compétences. Et enfin, vous aurez développé votre capacité de créativité. Et ça, c’est le Graal !
Au restaurant
Les difficultés
Doit-on en conclure qu’un projet 365 ou 52, c’est que du bonheur ? Et bien ça dépendra de vous ! Comme pour tout projet, celui-ci emporte son lot de difficultés. La réponse à cette question dépend donc de votre capacité à sortir de votre zone de confort.
Maintenir la régularité
La première difficulté est le rythme ! Une photo par jour ou par semaine durant toute une année, c’est en soit un réel challenge. Par conséquent, vous n’aurez pas le droit à l’imprévu !
Si vous vous dite au départ que vous souhaiteriez ajouter quelques contraintes supplémentaires, sachez qu’elles deviendront d’autant plus fortes de par la durée du projet. Alors, conseil d’ami, allez-y doucement…
L’organisation
Complètement en adéquation avec le point précédent, vous devrez trouver une organisation sans faille. Le long d’une année entière, vous aurez de multitude de situations qui prendront la priorité devant votre projet. Si vous ne souhaitez pas perdre la maîtrise, vous devrez apprendre à anticiper et à planifier vos tâches.
Accepter vos limites
Dans un monde parfait, grâce à une organisation définie et une rigueur implacable, rien ne pourrait vous résister. Mais la vraie vie, c’est différent. Vous aurez vos hauts et vos bas comme tout le monde.
La solution consistera donc à faire avec et accepter qu’à certains moments, ce que vous aurez produit ne sera pas aussi parfait que vous l’imaginiez. Ce type de situation vous permettra d’apprendre à relativiser et à connaître vos limites pour mieux savoir les dépasser par la suite.
L’autre usage des châteaux d’eau…
La photo, mais pas seulement
Si vous l’avez remarqué, depuis le début de l’article, j’ai bien pris garde de ne pas particulièrement parler de photographie. Ceci est, à mon sens, important, car ce type de projet est particulièrement connu dans ce domaine, mais finalement, il peut s’appliquer à n’importe quoi.
C’est pourquoi, je pense qu’il peut être intéressant de réfléchir au-delà en listant quelques autres domaines possibles plus ou moins en lien avec la photo.
Prendre des photos,
Construction de triptyques,
Réalisation de photomontage,
Réalisation de retouche photo,
Création de texture seemless ou non,
Création d’objets 3D,
Création d’images de synthèse,
…
Les jours de pluie peuvent être beaux…
Et dans tout ça, mon expérience…
En 2015, je me suis moi-même engagé dans un projet 365.
Dans un souci de facilité le travail, je m’étais pas fixé la contrainte supplémentaire de faire uniquement les photos avec mon smartphone. Malgré cette astuce, le challenge a quand même été très compliqué à tenir. Et d’ailleurs, je n’ai pas réussi à faire les 365 photos sur l’année.
De mémoire, je n’avais pas su gérer correctement les périodes de vacances où je n’avais plus accès à mon ordinateur.
Pas si mal les photos d’un smartphone…
Ma seconde difficulté a été l’usage exclusif de mon smartphone. Ce point que j’avais imaginé comme étant une façon de faciliter mon projet m’a finalement posé des problèmes. Quand j’avais réfléchi à faire ce projet, je m’étais dit que pour faire une photo par jour, il serait très contraignant de toujours les faire un mon boîtier réflexe. C’est alors que je me suis dit : « Mais au fait, j’ai toujours avec moi mon téléphone ! Si je choisis de me dire que je ferais toutes mes photos avec, je n’aurais pas de soucis de disponibilité de matériel. »
Quel piège ! En me disant ça, je ne m’étais juste ajouté une contrainte qui n’avait pas plus de sens que cela et qui a finalement eu pour conséquence de m’éloigner de mon bel appareil photo car toujours focalisé sur l’usage de mon téléphone.
C’est seulement au bout de plusieurs mois, que je me suis rendu compte, que je n’utilisais plus mon boîtier réflexe, ce que j’ai ressenti comme une forme de frustration.
J’ai donc annulé cette clause en cours de projet.
Je voulais partager cela avec vous, car d’une certaine manière, voulant me faciliter la tâche, je me suis auto piégé.
Évitez de trop vous mettre de pression si c’est la première fois que vous faites ce type de projet. Même si ça vous semble trop simple de prime abord, c’est loin d’être gagné d’avance.
L’autre point sur lequel je souhaite attirer votre attention, c’est que c’est bien votre projet ! En ce sens, si vous souhaitez changer quelque chose en cours de route, eh bien faite-le ! Personne ne vous critiquera pour cela, car l’important est que le challenge vous soit profitable.
L’importance de la lumière dans une photo…
Je vous invite à partager avec nous vos propres expériences à ce sujet et notamment les domaines auxquels vous les avez appliqués.
Illustration de l'article à propos de l'usage créatif du trépied.
Emporter un trépied avec soit est une réelle contrainte de par son poids et son encombrement. Cependant, cet accessoire n’est pas à négliger pour autant, car il permet des prises de vues impossibles ou très difficilement autrement. Dans cet article, je vous propose donc 5 astuces pour photographier avec un trépied.
1. Comme un monopod
Installer un trépied, prend un certain temps et un temps certain.
En fonction des cas, il se peut que nous n’aillions pas le moyen de prendre notre temps ou que le sujet nécessite une certaine mobilité. Il peut alors être intéressant d’utiliser son trépied à la manière un monopod, c’est-à-dire avec une seule jambe.
Vous gagnerez alors en stabilité tout en restant suffisamment souple pour réaliser des effets de filé ou pour saisir une action imprévisible.
Utilisation simplifiée d’un trépied comme monopod.
2. Prendre de l’altitude
L’une des caractéristiques clé de votre trépied est sa taille. En générale, celle-ci est choisie afin de légèrement plus haute que vos yeux de manière à ce que vous puissiez aisément regarder dans le viseur si vous deviez positionner votre trépied dans une descente.
Cependant, cette hauteur peut être aussi utilisée autrement notamment pour prendre de la hauteur. Si les conditions de prise de vue vous permettent de régler un temps de pose suffisamment cours pour éviter le risque de flou de bougé, en plaçant votre boîtier en mode retardateur ou à l’aide d’un déclencheur souple, vous pouvez élever votre appareil photo largement au-dessus de votre tête. ATTENTION à bien le tenir pour blesser personne.
Un point de vue surélevé de quelques centimètres pourra complétement transformer l’impact visuel de votre cadrage !
Utilisation du trépied pour prendre des photos de plus haut. Très utile si vous être à l’arrière d’une foule.
3. Positionner précisément un flash distant
Qui dit trépied, n’implique pas forcément qu’on y mette un boîtier d’appareil photo dessus. L’alternative peut aussi être un flash muni d’un système de déclenchement à distance. De cette manière, il vous sera possible d’intégrer à votre photo une source lumineuse supplémentaire permettant d’attirer l’œil du spectateur pour guider son regard sur un point précis de votre photo.
A noter que les systèmes de déclenchement à distance par radio sont plus fiables que ceux basés sur des séquences de pré-flash quand on souhaite cacher le flash derrière un élément pour éviter de faire apparaître directement l’éclat de la source lumineuse dans la photo.
4. Support pour mini-studio photo macro
En macrophotographie, il est souvent nécessaire d’ajouter de la lumière pour permettre d’avoir une exposition correcte tout en gardant suffisamment de profondeur de champ par la fermeture du diaphragme. L’installation de tout ce matériel autour de votre sujet craintif, peut être laborieuse.
Pour gagner un peu de temps, il est astucieux de pré-positionner ses flashes et réflecteurs éventuels sur des bras magiques, eux-mêmes fixés sur les pieds de votre trépied. Ainsi, vous n’avez plus qu’à positionner l’ensemble autour de votre sujet en une seule fois puis directement commencer à shooter.
Utilisation des jambes d’un trépied comme support pour construire rapidement un mini studio pour la macro photographie.
5. Retourner son appareil photo
Ce dernier point, dépendra du modèle de trépied que vous possédez. En effet, certains modèles permettent de retourner la colonne centrale permettant ainsi de retourner votre boîtier.
Encore une fois, cette astuce créative vous permettra de réaliser des cadrages différents de la norme et donneront à vos photos un impact clairement insolite.
A retenir
S’il y a une chose à retenir dans cet article et qu’en terme de créativité, il est important de sortir des chantiers battus et de regarder vos accessoires avec un regarde insolite. Chaque objet est conçu pour une utilisation prédéfini, mais avec la mode du fameux DIY (Do It Yourself), on s’aperçoit qu’avec un peu d’imagination, il est relativement facile de détourner leurs usages.
Le monde de la photographie est un domaine où cette pratique peut réellement apporter de la créativité à vos clichés. Alors osez passer en revue l’ensemble de votre matériel avec cet état d’esprit en tête.
Je vous invite à partager vos propres astuces en commentaires ci-dessous. Car dans ce domaine, plus nous partagerons nos astuces et plus nous pourrons aller plus loin dans notre créativité comme un Brainstorming grandiose.
Illustration de l'article à propos de mon bilan sur le Salon de la Photo 2018 de Paris
Comme je vous l’avais annoncé, je suis allé au salon de la photographie de Paris les jeudi et vendredi 8 et 9 novembre derniers. Cette expérience a été très enrichissante pour moi et je vous propose dans cet article te partager quelques-unes de mes réflexions et retours d’expériences. Voici mon bilan du Salon de la Photo.
Évolution de la photographie
Durant ces 2 jours, j’ai eu l’occasion d’assister à plusieurs conférences provenant d’intervenants différents. Il est toujours intéressant d’entendre différents sons de cloche pour se faire une bonne idée d’une situation.
De manière globale, les différents intervenants ont été convergents sur le point suivant :
Nous sommes de plus en plus confronté à une infinité de photographies prises quotidiennement par tout le monde.
L’un des exemples cités était la Tour Eiffel. Comment réaliser aujourd’hui une photographie sortant de l’ordinaire de ce monument alors que celui-ci est photographié plusieurs milliers de fois par jour ?
L’axe majeur mise en avant par ces différents experts est de développer sa créativité pour définir son propre style. Ce dernier peut s’exprimer à travers des messages portés par les photos ou par le traitement esthétique apporté aux clichés finaux. La conséquence est que l’on parle de plus en plus d’images et de moins en moins de photographie. Ce concept a été illustré avec le constat que plus en plus de photographies ressemblent à de la peinture alors que les peintures deviennent de plus en plus réalistes.
La photographie n’a jamais été la représentation du réel, et c’est encore plus vrai de nos jours. Cette caractéristique est à mettre en avant au lieu de la renier.
De nouvelles compétences seront certainement nécessaires aux photographes. La première d’entre elles, est la maîtrise de la retouche photo. Peut-être faudra-t-il aussi développer des compétences en design, images de synthèse, peinture, dessin, photomontage, etc…
Jean Gaumy expose dans sa conférence que le savoir-être est au service du savoir-faire photographique.
Assumer sa créativité
La meilleure manière de se différencier est d’être vous-même en assumant votre personnalité. Facile à dire, mais pas facile à faire.
La conférence de Jean Gaumy (membre de l’académie des beaux-arts depuis avril 2016) a mis en avant que le regard et le savoir-faire des photographes repose en grande partie sur leurs histoires et leurs expériences visuelles, mais aussi sur son savoir-être. En deux mots, cela signifie que la créativité est bien en nous.
Ce même propos a été repris dans une conférence de la Nikon School intitulé “avant de déclencher…” de Gerard Planchenault et Aurore Deligny.
Ma conclusion personnelle vis-à-vis de la créativité, et qu’il est important d’assumer qui nous sommes en tant que personne, expérience, savoir-faire, savoir-être, etc…
Il est donc important de s’inspirer d’artistes reconnus, mais surtout de ne pas se cantonner à reproduire leurs œuvres en oubliant notre propre créativité.
« La créativité est en vous » est le message fort de l’évolution de la photographie actuelle.
Omniprésence de l’harmonie
Comme pour les thèmes ci-dessus abordés, l’harmonie fait partie intégrante de la réussite d’une image.
Cette notion d’harmonie a été abordée plusieurs fois au cours des différentes conférences auxquelles j’ai pu assister.
L’harmonie des couleurs a été grandement mise en avant sur la conférence concernant la retouche photographique.
L’harmonie du cadrage et des éléments au sein d’une photographie a été mise en avant à travers les conférences de Jean Gaumy et de la Nikon School.
Enfin, l’harmonie des éclairages a aussi énormément été mise en oeuvre lors des démonstrations pratiques de réalisation de portraits de studio.
Globalement, on pourra dire que la cohérence de l’ensemble des harmonies qu’elle soit de couleur, de cadrage, d’éclairage ou autres, réalisera au final une image sortant de l’ordinaire et propre au style de son auteur photographe.
Et moi dans tout ça
Personnellement, je considère que l’objectif de mon blog initiation-photo.com est totalement cohérent ces évolutions. En effet, mon souhait de lier la photographie et l’image de synthèse au sein de photomontages me paraît pleinement dans l’air du temps culturel de photographie actuelle.
Je retiens aussi, qu’aujourd’hui le développement personnel est une grande source de valeur ajoutée pour améliorer ma technique photographique et mes images produites.
Je vous invite, vous aussi, à réfléchir sur ces nouveaux concepts et à aller de l’avant pour acquérir de nouvelles compétences afin de les mettre en pratique au quotidien pour développer votre savoir-faire acquis jusqu’ici. C’est en ce sens que je cherche à ce que mon blog puisse vous aider sur ce chemin.
Si certains d’entre vous ont aussi été au salon de la photo, il serait intéressant de partager vos propres retours d’expérience en commentaire juste en dessous de cet article. Je suis très curieux d’avoir vos avis et analyses sur tous ces sujets.
Illustration de l'article sur le matériel utile lors d'un mariage
Réaliser les photos d’un mariage est une forme de course contre-la-montre tout au long de la journée. A cela s’ajoute le fait que vous devrez faire face à des conditions de prises de vue très variées en fonction des différents lieux. Pour ne pas être pris en dépourvu, il vous faudra donc bien gérer l’aspect logistique de votre matériel. Le plus simple étant bien sûr de définir au juste nécessaire « Quels matériels photo utiliser ».
Conditions de prises de vue classiques
J’ai synthétisé dans le tableau suivant les conditions de prise de vue en fonction de chacune des étapes classiques d’un mariage.
Lumière
Type de focale
Mobilité
Accessoires
Naturelle intérieure
Naturelle extérieure
Flash
Macro
Standard
Pas de mobilité requise
Maquillage / Coiffure
Naturelle intérieure
Flash
Standard
Grand-angle
Limité car souvent espace intérieur petit
Habillage
Naturelle intérieure
Flash
Standard
Grand-angle
Limité car souvent espace intérieur petit
Photo de couple
Naturelle intérieure
Naturelle extérieure
Flash
Standard
Grand-angle
Téléobjectif
Mobilité pour aller de lieux en lieux différents
Mairie
Naturelle intérieure
Flash
Standard
Grand-angle
Limité car souvent espace intérieur petit
Eglise
Naturelle intérieure
Standard
Grand-angle
Téléobjectif
Grand espace intérieur avec la nécessité de ne pas faire de bruit
Vin d’honneur
Naturelle intérieure
Naturelle extérieure
Flash
Standard
Grand-angle
Mobilité potentiellement difficile en fonction du nombre de personnes
Repas/Soirée
Naturelle intérieure
Flash
Standard
Grand-angle
Mobilité potentiellement difficile en fonction du nombre de personnes
Voici quelques commentaires supplémentaires pour mieux comprendre le tableau ci-dessus.
La notion de lumière est le paramètre le plus important, car c’est celui qui va influencer particulièrement les réglages de votre boîtier. A noter qu’une très grande partie des photos sont prises en intérieurs avec peu de lumière.
J’attire votre attention sur l’utilisation du flash. Vous aurez remarqué que le flash figure dans toutes les lignes sauf pour l’église.
La majorité du temps, les flashes ne sont pas les bienvenus durant la cérémonie, car il perturbe son déroulement. De plus, au vu de la taille de l’église et des distances de prise de vue éventuelle, il n’est pas vraiment pratique de l’utiliser durant la cérémonie.
Afin de caractériser un peu la notion d’espace, j’ai choisi de prendre en considération le type de focale qui classiquement serait utilisé dans chacune des circonstances. Quoiqu’il arrive, plus les focales sont lumineuses et plus il est aisé d’opérer en faible lumière. En aucun cas, il ne s’agit pas de prendre pour argent comptant ces indications, car du point de vue créativité tout est possible évidemment.
Enfin, un mariage ce n’est pas statique. Au contraire, pour le photographe ça ressemble même à une journée de sport tellement il doit se déplacer et se mettre dans des positions inconfortables pour saisir le maximum de moments forts avec des angles de vue créatifs. C’est la raison pour laquelle j’aborde cette notion de mobilité. Plus vous emmènerez de matériel est plus vos déplacements seront difficiles.
En bref, vous l’aurez compris, il y a un équilibre à trouver dans tout ça. Mais il y a des solutions et astuces pour palier à tout ça.
Focale lumineuse et légère à la fois.
Matériels photo
Comme nous venons de le voir, le photographe doit être capable de faire face à un ensemble de contraintes.
D’un certain point de vu, plus il y aura de matériels emporté et plus il sera possible de faire de bonnes photos. En tout cas, c’est ce qu’on peut se dire naturellement.
En réalité, ce n’est pas tout à fait vrai…
Un mariage, c’est avant tout une histoire à raconter.
Cette dernière s’écrit tout au long de la journée devant les yeux du photographe qui devra être en mesure d’enregistrer avec son appareil photo.
Il est donc important de privilégier la réactivité avec une configuration le plus passe-partout possible.
Encore une fois, ces considérations sont à prendre avec du recul par rapport à votre style photographique. Peut-être que votre style passe par l’usage exclusif de téléobjectif quelles que soient les conditions de prise de vue.
Ceci étant clair, je vais néanmoins partager avec vous mes usages :
J’utilise quasiment toujours mon objectif AF-S NIKKOR 24-70mm f/2.8G ED sur mon boîtier Nikon full-frame. Car son angle de champ convient très bien à mon style de photos. Il est lumineux et sa plage de focale est largement suffisante pour palier à pratiquement toutes les situations courantes qui attire mon œil.
A celui-ci, j’ajoute mon objectif SIGMA MACRO 105mm F2.8 EX DG OS HSM pour réaliser les photos en gros plan des détails tels que les alliances par exemple. Pour être certain de pouvoir maîtriser la lumière pour ce moment, j’utilise un flash cobra Nikon SB-700 déporté piloté par des trigger radio CACTUSv6.
Ensuite en fonction des repérages fait en amont, je viens compléter ce matériel avec :
Un grand-angle AF-S NIKKOR 14-24mm f/2.8G ED notamment pour pouvoir prendre de grand groupe de personnes. Je l’utilise donc principalement sur trépied.
Donc en résumé, voici la liste de mon matériel de base :
Boitier Nikon format FX,
AF-S NIKKOR 24-70mm f/2.8G ED,
SIGMA MACRO 105mm F2.8 EX DG OS HSM ,
Un flash cobra Nikon SB-700,
Un trépied Manfrotto,
Cartes mémoires,
Piles et batteries chargées bien sûr.
Et en complément éventuel
Un téléobjectif Sigma 70-200 mm F2,8 DG EX APO HSM,
grand-angle AF-S NIKKOR 14-24mm f/2.8G ED.
L’ensemble de tout ceci entre dans mon sac photo Lowepro Vertex 200AW mais dès qu’il est possible de laisser une partie de ce matériel caché dans le coffre de ma voiture, je le fais afin d’alléger le sac. C’est en particulier le cas pour le trépied, et la focale macro.
Idéale pour les photos de grands groupes
Autres matériels
Mon smartphone
J’emporte toujours avec moi mon smartphone pour plusieurs raisons.
Je reste joignable à tout moment,
Je peux aussi joindre les personnes,
Il me sert de GPS quand je suis dans une région que je ne connais pas parfaitement,
Il me permet d’emporter des exemples de photos à m’inspirer, une sauvegarde de ma feuille de route,
Attention de bien couper sa sonnerie pendant les moments solennels.
Un PC portable + disque dur externe
Le but est de pouvoir décharger régulièrement mes photos pour en faire une copie de sauvegarde doublée : sur le PC et sur le disque dur externe. Evidemment, n’oubliez pas non plus le lecteur de carte ou le câble permettant de transférer les photos.
L’autre avantage du PC est de pouvoir durant la soirée afficher un aperçu des photos prises durant la journée. Alors effectivement, elles ne sont pas retouchées, mais l’idée est juste de montrer rapidement un aperçu de la journée. Personnellement, je n’ai jamais entendu une remarque comme quoi, les photos n’étaient pas au niveau car non retouchées. Au contraire, j’ai souvent reçu que des compliments et des questions des différents invités curieux. C’est une occasion d’ouvrir la discussion autour de votre savoir-faire et de leur montrer des exemples de photos finalisées sur votre smartphone. Ça les rassurera sur la qualité des photos une fois traitées et vous aurez eu l’occasion de faire votre publicité auprès de potentiels prospects.
Outil indispensable pour faire face à tout imprévu
Divers
Un stylo
Pour facilement noter les modifications éventuelles sur ma feuille de route et cocher les notes devenues inutiles
Vos cartes de visite
C’est une façon de laisser une trace vers des personnes potentiellement intéressées.
Un désodorisant corporel et quelques vêtements de rechange
Une fois le gros de la journée passé, il peut être intéressant de redevenir « odorifèrement sociable ».
Une application photo donnant les heures dorées et bleue
Celle que j’utilise est très complète et s’appelle Sun Surveyor.
Exemple de mise en scène en adéquation avec l'esprit du mariage dont le thème était autour de la mer
Réaliser des photos pour un mariage est une responsabilité à ne pas prendre à la légère. Même si c’est une évidence, il est quand même bon de rappeler qu’un mariage est un moment unique pour les mariés et par conséquent, le photographe doit en prendre la juste mesure. Pour faire face à cela, il convient de bien préparer cet événement en commun avec les mariés. De mon point de vue, 60% de la réussite de votre prestation repose sur la préparation en amont de celui-ci contre 30% le jour J et 10% pour la finalisation comme le post-traitement entre autres. Il y a tellement de choses à dire que pour ce premier article, j’aborderai uniquement le début du travail préparatoire.
Faite connaissance avec les mariés
Présentez-vous et votre savoir-faire
Vous n’allez pas prendre en photo n’importe quel mariage, mais bien celui de vos mariés. Il est donc important que vos photographies les représentent. Pour cela, rien de mieux que de commencer en faisant bien connaissance.
Pour briser la glace, je vous invite à commencer par vous présenter. Expliquez votre parcours bien sûr, mais surtout insistez sur ce que vous aimez, ce qui vous défini pour bien communiquer qui vous êtes. L’idée est de faire en sorte qu’ils vous apprécient et qu’ils soient à l’aise avec vous.
Profitez-en pour expliquer dans les grandes lignes comment vous procédez habituellement, rassurez-les quant à vos capacités d’adaptation, votre gestion de l’imprévu. Bref que vous êtes quelqu’un de serein et qui est sûr de lui. C’est à vous de leur transmettre votre confiance.
Si vous avez quelques exemples de photo, montrez-leur en quelques-unes en expliquant qu’il ne s’agit que d’un échantillon de styles de rendu possibles tout en leur expliquant que les leurs seront forcement différentes car elle correspondront à leurs personnalités.
Apprenez à connaître vos mariés
Une fois, la conversation installée, commencez à leur poser des questions à propos d’eux en les appelant par leurs prénoms en insérant de l’humour et de la bonne humeur. Par exemple, demandez à l’un d’entre eux comment se sont-ils rencontrés ? Puis à la fin de son explication, (si les circonstances le permettent) tournez-vous vers l’autre et sur un ton blagueur, posez lui la question : « vous avez bien la même version des faits ? ».
Au fur et à mesure de la discussion, essayez de récupérer quelques anecdotes à leur propos afin de savoir quelle sera votre marge de manœuvre en terme de créativité pour le jour J.
Cherchez à créer un lien avec eux
Cette première prise de contact doit permettre à créer un lien de sympathie entre le photographe et les mariés. Il faut absolument que le photographe soit totalement accepté par les mariés. En effet, je vous rappelle que vous allez être témoin de moments souvent très intimes comme éventuellement l’habillage de la mariée, la découverte de la robe par le marié, … En aucun cas, vous ne devez apporter un malaise à ses moments-là.
Tout ceci est bien, mais ce n’est qu’un début. Vous êtes encore très loin de savoir tout ce que vous devez connaître pour le mariage ; et d’ailleurs, à ce stade, les mariés peut-être eux-mêmes aussi.
Comprenez leurs attentes
Il vous faut donc connaître clairement les attentes de vos mariés. Pour ce faire, je trouve que le plus simple est de leur donner des devoirs à faire. Pourquoi, car il va falloir qu’ils réfléchissent ensemble et à tête reposée pour qu’ils définissent leurs besoins.
Signature du registre à la mairie par Madame la Maire
Importance du faire-part
Une bonne façon d’aborder ce travail est de discuter autour de leur faire-part de mariage. Deux cas de figure possible :
soit, ils ont déjà quelque chose à vous montrer ou au moins ils sont capables de vous expliquer leur concept,
soit ils se grattent la tête en se disant qu’effectivement, il y a aussi ça à penser… 😉
Le faire-part est en quelque sorte la carte de visite de leur mariage. Logiquement, il représente donc de manière synthétique et esthétique comment ils se représentent leur mariage.
Dans le cas où ils n’ont pas encore réfléchi à ce sujet, profitez-en pour les accompagner à définir de celui. Vous pourrez alors leur poser un ensemble de questions qui les aidera à le concevoir et en même temps VOUS aidera à comprendre dans quel état d’esprit ils se projettent dans leur mariage. Des questions aussi simples que les suivantes vous donneront autant d’indications esthétiques pour que vous puissiez leur proposer la meilleure réponse à leur besoin :
Quelles couleurs dominantes ?
Quel thème envisagent-ils ?
Quelles sont leurs passions qui les caractérisent, …
Dans l’autre cas, demandez-leur de vous expliquer les raisons et leurs cheminements intellectuels qui les ont conduits à ce design.
Les valeurs
Les valeurs sont aussi une partie importante de leurs personnalités. C’est donc de très bons indicateurs à suivre pour orienter et adapter votre travail afin de répondre au mieux à leurs attentes.
C’est pourquoi, vous devez les inviter à réfléchir ensemble à leurs valeurs. Le but est qu’ils vous en fournissent quelques-unes afin d’orienter votre regard le jour J. Pour vous assurer que leur réflexion était juste, vous pouvez vérifier la cohérence de celles-ci avec l’esprit du faire-part évoqué ci-dessous.
Faite les choisir
Une des phases importantes pour les mariés, mais aussi le photographe est la séance de photo de couple.
Pour aborder de façon concrète cette étape, il est important de les aider à visualiser le type de résultat qu’ils peuvent espérer obtenir de votre part. De plus, il faut s’assurer que votre produit fini leur conviendront. Pour clarifier ce point, j’ai pris l’habitude de transmettre aux mariés un ensemble d’aperçus de photos de mariage aux genres très différents.
A partir de ces photos, je leur demande d’entourer celles qui leur plaisent le plus et surtout de me dire pourquoi. Les explications peuvent être du genre :
J’aime bien l’effet de profondeur de champ,
j’aime bien l’ambiance vintage,
j’aime bien la pose,
j’aime bien ce type de lieu…
En parallèle, je leur demande aussi de barrer celles qu’ils détestent en y précisant toujours la raison.
j’aime pas la désaturation partielle,
j’aime pas le coté trop sexy,
j’aime pas les couleurs trop saturées…
A l’aide de l’ensemble de ces réponses, VOUS, photographe, pourrez alors mieux comprendre quel type de photos correspondent le mieux à leur attente et à ce qu’ils ont en tête.
Commencer à apporter votre valeur ajoutée
Sur la base de l’ensemble de ses informations, vous pouvez commencer à apporter votre valeur ajoutée. C’est-à-dire votre regard, votre connaissance de la grammaire visuelle et toutes les autres compétences de votre savoir-faire ou de votre expérience.
Vous devez affiner les raisons de leur choix à propos des exemples de photos. Certainement, qu’ils auront fait quelques choix paradoxaux. Appuyez-vous sur ceux-ci en particulier pour mieux comprendre leur vision des choses. Ainsi, au fur et à mesure, vous pourrez leur proposer encore d’autres possibilités qu’ils n’avaient pas pensé ou plus adaptées à leurs attentes.
Timing
Classiquement, l’ensemble de ces étapes peuvent se faire en 2 rencontres minimum entre lesquelles, les mariés devrons travailler à réfléchir aux réponses à vos questions. Bien sûr, si vous pouvez partager plus avec vos mariés se sera d’autant plus enrichissant pour tout le monde !
Exemple de mise en scène de photographie des alliances avec le bijou de famille chère à la mariée
Prochainement, un second article complétera mon propos sur les photos de mariage. Comme d’habitude, n’hésitez pas à commenter ci-dessous ce contenu ou y apporter votre expérience ou poser vos questions.
Illustration de la puissance des séries photographiques sur le sens de vos photos.
Le point de départ essentiel à une série photographique est son idée car sans idée, pas de série. Ce postulat est très fort car il va en découler les différents points suivants que je vous propose d’aborder sans plus attendre.
La série photo permet de penser autrement
L’avantage d’avoir une idée en tête c’est justement qu’on y pense ! Il vous est certainement arrivé, comme moi, au moment où on fait un nouvel achat conséquent comme une voiture, qu’une fois que nous l’avons acquise, nous n’arrêtons pas d’en voir des exemplaires similaires un peu partout.
Ici c’est la même chose. Etre focalisé sur son idée mettra en éveil tous vos sens pour atteindre votre but.
Vous allez donc penser et voir autrement que d’habitude. Toutes les choses insignifiantes en rapport à votre idée, que naturellement vous n’auriez pas remarqué, vont vous sauter aux yeux de manière évidente !
Penser série photo permet de regarder plus en détail son sujet
Se mettre dans un état d’esprit tel que décrit ci-dessus, va donc vous faire découvrir tout un ensemble de détails auxquels vous n’auriez pas prêté attention.
Pour illustrer mon propos, prenons l’exemple de la série en fin d’article. Le sujet de celle-ci n’est qu’un pommier au tout début de l’apparition de ses bourgeons. L’idée était extrêmement simple puisqu’il s’agissait simplement de décrire cet arbre en mettant en avant tous les éléments le constituant qui ont frappé mon attention. Cet objectif était néanmoins suffisant pour initier une série photographique.
Se concentrer sur son sujet permet de mieux l’explorer
Le but étant de construire un ensemble de photos cohérentes entre elles, toujours dans le cadre de mon exemple, il m’a été nécessaire de passer beaucoup plus de temps qu’à la normale. D’ailleurs, il y a fort à parier que sans l’idée de faire une série photo, je ne me serai même pas intéressé à cet arbre. Mais pour le coup, j’y suis resté au moins une grosse demi-heure à tourner autour et à l’observer attentivement. Je recherchais le moindre petit détail pouvant attirer mon attention.
J’ai donc choisi de commencer à faire une vue d’ensemble de mon sujet avant de me rapprocher pour explorer ses plus infimes parties. Pour être honnête, ce n’est pas cette première photo d’ensemble que j’ai retenue, car celle-ci cadrait uniquement le haut de l’arbre, or je me suis rendu compte au fur et à mesure que mon exploration, qu’il y avait des éléments intéressants se trouvant au sol. J’ai donc réalisé un second cadrage plus complet.
Travailler en série amène donc au fur et à mesure de sa réalisation des besoins de cadrage plus précis et complet qu’instinctivement au départ on ne perçoit pas. Il faut donc prendre son temps pour l’élaborer. De plus, il ne faut pas hésiter à reprendre des photos déjà réalisées précédemment mais en peaufinant les cadrages afin de mieux mettre en évidence les éléments qui nous semblent intéressants.
Ce constat nous amène naturellement au point suivant.
Une meilleure définition de nos objectifs ouvre la porte vers de nouvelles voies créatives
C’est donc à ce moment-là que la force de travailler en série peut grandement nous apporter en termes de créativité. Tous ses fameux détails anodins pour le commun des mortels deviennent autant de clés pour développer notre créativité. Le petit clou à tête plate et rouillé dans le tuteur devient l’espace d’un instant le sujet principal d’une photo destinée à évoquer les moyens mis en oeuvre par le jardinier pour fixer ses ficelles.
Ici encore ce constat permet d’enchaîner avec l’idée suivante et non moins la moindre.
Photographier en série permet de donner un sens plus fort aux photos
En effet, chacune de ces photos prises individuellement n’apporte pas un grand intérêt pour le spectateur.
Par contre, ensemble, elles apportent toute leur valeur ajoutée de manière cohérente à l’idée de départ que je vous rappelle :
Décrire un pommier au tout début de l’apparition de ses bourgeons.
Il est donc clair ici que la force du message prime sur l’aspect purement individuel de chacune des photos.
L’ordre des photos est essentiel
Voici le travail supplémentaire mais absolument nécessaire aux séries photographiques. Il s’agit de bien les organiser dans un ordre bien précis.
Pour ma part, voici comment j’ai procédé :
N° des photos
Commentaires
1 et 2
Approche vers le sujet depuis la vue d’ensemble jusqu’au cœur de l’arbuste
3, 4, 5 et 6
Description des bougeons naissant le long des pousses et un petit clin d’œil autour de cette seule et unique feuille morte restée de la floraison passée
7,8 et 9
Zoom sur les accessoires apportés par le jardinier pour travailler arbre et s’assurer de sa bonne pousse.
10 et 11
Retour au pied de l’arbre avec mise en évidence de l’arrivée du printemps avec les quelques herbes vertes et sauvages qui sortent elles aussi des écorces déposées au sol (qui font d’ailleurs la transition avec les « accessoires » apporté par l’homme).
12, 13, et 14
Remonté le long du tronc d’arbre pour cette fois-ci mettre en avant les différentes textures des écorces de celui-ci.
15 et 16
Pour finir j’ai choisi de mettre en évidence les organismes vivants en relation avec l’arbre. Ici nous avons le lichen et l’araignée évoqué par son fil de toile resté en place entre le tuteur et une branche. J’ai notamment choisi cette photo en dernier car elle permet de finir la série sans même l’accent sur mon sujet principal ce qui fait office de sortie de la série photo.
La cohérence visuelle des photos
L’autre aspect important des séries de photos est leur cohérence visuelle. Ici pour cet exemple j’ai fait les choix suivants :
focal fixe 105 mm macro,
photo couleur avec la même balance des blancs,
ajout de vignettage pour psychologiquement guider le regard vers les détails,
lumière naturelle d’une belle journée de fin d’hiver.
