La balance des blancs est un paramètre à ne pas négliger quand vous réalisez des photographies. Bien que la majorité du temps, il est recherché de neutraliser les dominantes de couleur, de temps en temps il peut être aussi créatif d’en ajouter une.
Fiche PDF – Maitriser la balance des blancs mesurée
Réglage de l’appareil photo permettant de corriger la dominante de couleur de la photo engendrée par la couleur de la lumière des sources d’éclairage de la scène.
Les appareils proposent des préréglages de différentes sources standards, un mode automatique et éventuellement un mode mesure.
Caractéristiques
L’unité utilisée est le Kelvin (K)
L’ordre de grandeur des valeurs classiques suivant des sources d’éclairage est représenté sur l’image ci-dessous
Réglages
Sur le boîtier :
A faire à la prise de vue, si vous avez choisi le format JPG ou TIFF comme fichier d’enregistrement.
L’objectif classique est de supprimer la dominante de couleur, de manière que les noirs/gris/blancs soient sans teinte pour rester neutres sur l’image.
Cependant, il est aussi possible de choisir consciemment une dominante de couleur pour donner une interprétation à votre photo. Dans ce cas, la balance des blancs deviendra un outil créatif à part entière.
En post-traitement :
Cela se fait sans aucune perte d’information ou dégradation de l’image, si votre fichier de base est le fichier RAW.
Souvent pour réaliser cette opération, il suffit d’utiliser l’outil balance des blancs représenté par une pipette pour échantillonner un gris moyen qui devrait être neutre.
Pour un fichier RAW, réalisez-la dans CameraRaw
Pour un fichier JPG, réalisez-la avec la pipette des ton moyen de l’outil courbe.
L’année 2020 a été très fortement marquée par l’impact dû à la COVID-19. Au-delà des aspects sanitaires et économiques, l’aspect social a été bouleversé également compte tenu des mesures mises en place pour limiter la circulation du virus par l’application des mesures barrières. Avec la nouvelle année 2021, l’espoir d’une renaissance de nos libertés était omniprésent dans nos esprits. Cependant, l’évocation de la possibilité d’un troisième confinement malmène nos espérances. Quand le moment est venu de trouver un sujet pour le photomontage de fin janvier, j’ai réfléchi aux événements classiques du mois de février. Naturellement, la Saint-Valentin m’est venue en tête. Puis, je me suis posé la question de l’impact de la COVID sur ce moment représentatif de l’amour. Et là, j’ai imaginé Cupidon, armé de son arc, en train de défendre un couple d’amoureux de l’affreuse COVID !
Explication du comment
L’esquisse
Avoir une idée en tête est un bon début, mais il faut rapidement la convertir en vision graphique par une esquisse. Cette étape est importante, car c’est à ce moment que la mise en page se concrétise. Cette dernière devant globalement valider les aspects suivants :
lister les éléments essentiels à faire figurer,
définir la mise en scène,
valider la lecture de l’image,
établir les besoins en images sources pour réaliser le photomontage.
Voici l’esquisse à laquelle je suis arrivé :
Les images de bases
Je me suis donc mis à la recherche de différentes photographies pour réaliser ce photomontage. J’ai notamment assemblé plusieurs images pour réaliser l’arrière-plan.
J’ai aussi récupéré une photographie de mes dernières vacances aux Açores pour le premier plan où figure un couple d’amoureux sous un arbre.
J’ai extrait un énorme virus COVID d’une photo d’illustration.
Et pour finir, j’ai rencontré de la difficulté pour trouver un Cupidon compatible avec les besoins de la scène.
J’ai donc décidé de le réaliser en 3D avec Blender ! Sans mentir, ça a été le plus gros travail.
Modélisation de Cupidon en 3D dans Blender
Pour la base du personnage, j’ai utilisé l’outil gratuit : MakeHuman.
Cet outil permet de rapidement réaliser une marionnette humaine en 3D exportable au format *.fbx pour être utilisé dans n’importe quel logiciel de 3D.
L’autre avantage, est que ce logiciel permet aussi directement de “rigger” le personnage. C’est-à-dire, de lui associer un squelette permettant de déformer le “mesh” de manière naturelle pour lui faire prendre les poses que l’on souhaite.
Les cheveux ont été réalisés avec l’emploi d’un système de particules associé aux surfaces formant le haut du crâne.
Pour ce qui est de l’arc et des flèches, ils ont été fait très simplement en utilisant des courbes vectorielles sur lesquelles l’option géométrie a été activée.
Mais le plus compliqué a été la réalisation des ailes. Cet élément est structuré en 2 parties :
l’os de la partie supérieure qui a été réalisé avec une courbe vectorielle sur lequel un autre système de particule à permis de faire le duvet,
un ensemble de plumes de différentes tailles, réalisé à partir d’une texture projetée sur un plan qui a été dupliqué de nombreuses fois et placé de manière légèrement aléatoirement pour donner un aspect analogique à leurs placements.
Placement de Cupidon dans la scène
Pour bien placer Cupidon dans la scène et ainsi placer correctement l’éclairage de la scène, j’ai dû commencé par réaliser toute la base du photomontage dans Photoshop.
Cette première base du photomontage a été utilisée en image de fond dans la caméra de Blender. Ceci m’a permis de me donner un référentiel pour positionner la caméra au bon endroit par rapport à Cupidon en fonction de son intégration dans le photomontage.
Finalisation du photomontage dans Photoshop
Une fois de rendu 3D calculé dans Blender, je l’ai importé dans le photomontage que j’ai finalisé en travaillant l’intégration des différents calques :
La présence de flamme dans une photographie apporte souvent de l’intérêt à celle-ci. Cependant, il n’est pas toujours facile de réaliser ce type de cliché dans le respect des règles de sécurité. C’est pourquoi, la possibilité d’ajouter à posteriori de cet élément est un avantage certain. Je partage donc avec vous comment utiliser cette fonctionnalité de manière à ce que vous puissiez l’utiliser ensuite dans vos propres projets personnels.
Généralités à propos de ce filtre
L’outil Flamme de Photoshop est un filtre de la sous-rubrique rendu. Ce filtre a pour utilité de produire des représentations de flamme de feu pour les ajouter à vos photographies.
Il s’agit d’un outil évolué qui propose plusieurs types de rendus avec de nombreux réglages possibles pour obtenir le résultat adapté à votre besoin.
Ces réglages concernent la géométrie de la flamme, mais aussi sa couleur.
Mode opératoire
Pour utiliser ce filtre, il est nécessaire de réaliser un tracé permettant de définir en fonction du type de flamme choisi dans la boîte de dialogue,
soit la forme de la flamme,
soit la ligne le long de laquelle des flammes seront générées.
Commencez donc par réaliser un calque vide. C’est sur ce calque que sera créée la flamme. Il s’agit ici d’une bonne pratique, car il serait possible de directement générer la flamme sur le calque contenant l’image de base.
Cependant, en isolant la flamme sur un calque à part, vous aurez la possibilité de venir modifier facilement sa géométrie et son mode de fusion pour une meilleure intégration à votre image.
La seconde étape est de réaliser un tracé vectoriel à l’aide de l’outil plume.
Juste quelques points suffisent pour une flamme de bougie par exemple. Ou plusieurs tracés les uns à côté des autres permettront de réaliser un feu de cheminée avec plusieurs flammes.
Enfin, avec le calque vide de sélectionné et le tracé actif, activez le filtre en allant dans le menu : Filtres/Rendu/Flamme…
La boîte de dialogue s’ouvre. Cliquez sur Valider après avoir réglé vos paramètres pour générer la ou les flammes.
Enfin, pour peaufiner son intégration, vous pouvez :
modifier sa géométrie en utilisant la transformation manuelle, la déformation de la marionnette, ou encore l’outil fluidité.
choisir le mode de fusion le plus adapté à votre image tel que Superposition, lumière crue, lumière linéaire…
Voyons ensemble deux exemples d’utilisation en vidéo
Exemple de réalisation d’une flamme de bougie
Exemple de réalisation d’un feu de cheminée
Astuces diverses
Je vous conseille de choisir une faible valeur pour le paramètre avancé “Opacité” dans la boîte de dialogue du filtre, car vous pourrez multiplier les claques flamme pour leur donner plus de densité.
Le générateur réalise des flammes très, voire plutôt trop nettes. Ceci à l’avantage de pouvoir ajuster le bon niveau de flou en cohérence avec l’image de base. Je vous invite donc à penser à appliquer un flou gaussien sur le calque de votre flamme après l’avoir converti en calque dynamique. Ainsi, vous pourrez revenir sur ce réglage après coup pour ajuster son intensité.
Si vous êtes amené à produire un feu avec plusieurs flammes, je vous invite aussi à procéder par étapes successives. Ceci a l’avantage de pouvoir apporter de la variation dans vos réglages d’opacité des différents calques. Ceci donnera un aspect plus analogique au résultat et donc plus naturel.
Dernier petit conseil avant de vous laisser faire, n’oubliez pas non plus l’influence de la présence de cette flamme dans son environnement. Il faut donc penser à ajouter les reflets et l’illumination des objets avoisinants de manière subtil pour que la flamme prenne correctement sa place dans l’ensemble.
A vous de travailler maintenant…
Et voilà. J’ai fait ma part du travail en vous apportant mes conseils pour savoir utiliser correctement cet outil.
Maintenant pour réellement apprendre et retenir cette connaissance, c’est à vous d’essayer en mettant en pratique ce que vous venez de lire.
Je vous invite à poster en commentaire vos résultats obtenus et surtout les questions que vous allez certainement vous poser lorsque vous serez seul devant votre ordinateur. Je tâcherai alors d’y répondre pour vous apporter encore plus de valeur.
La semaine dernière, nous avons vu comment réaliser la prise de vue du set à café telle que le montre l’illustration de cet article. Pour aboutir au résultat final, il y a un travail de post-traitement qu’il faut appliquer. D’ailleurs, j’attire votre attention sur la différence importante qu’il existe entre l’exposition et la tonalité d’une photographie, car l’exemple que nous voyons ensemble illustre bien ce concept. N’hésitez pas à aller lire ou relire cet article. Enfin, si vous n’avez pas vu, non plus, la première partie, je vous invite aussi à aller la découvrir avant de revenir ici.
Résultat de la prise de vue
La photo ci-dessous est le résultat de la prise de vue de la scène photographiée. Partageons rapidement l’analyse des points clé de celle-ci :
Balance des blancs froide
Exposition correcte, car à la vue de l’histogramme, aucune zone est cramée ou bouchée
Tonalité neutre
Présence des fils de support de la théière
Présence d’un léger vignetage
Développement du fichier RAW dans Lightroom
Correction de l’objectif
Cette opération a pour but de corriger le vignetage et les aberrations chromatiques engendrés par les défauts de qualité optique de l’objectif. Il repose sur une bibliothèque de profils de corrections intégré directement à lightroom. Il suffit de retrouver dans les listes la marque et le modèle de l’objectif utilisé si le logiciel n’a pas été en mesure de le reconnaître automatiquement.
Correction de la déformation de l’image (onglet transformation)
Ici le travail a pour but de rétablir une géométrie plus propre de l’image. Bien que l’appareil photo a été positionné sur pied et orienté avec le plus de précision possible, il existe toujours un petit écart par rapport à l’horizontalité et la verticalité parfaite des objets. Utilisant deux repères, un horizontal et l’autre vertical, l’image se trouve redressée simplement.
Réglages de base
Le plus gros du travail est réalisé ici. Plusieurs réglages sont disponibles et je les ai utilisés dans un ordre précis.
Correction de la balance des blancs à l’aide de l’outil pipette. L’idée est de cliquer sur une zone là où les teintes devraient être gris neutres. Dans mon cas, après plusieurs essais sur différentes zones, j’ai finalement choisi le corps de la théière. Cette opération règle directement les deux réglages “température” et “teinte”.
Correction de l’exposition globale de la photo. La tonalité de l’image étant trop sombre à mon goût, j’ai progressivement déplacé vers la droite le curseur “exposition” en prenant garde de ne pas faire apparaître de zone cramée.
Ajout de “Textures” et de “Clarté” dans l’image. Je procède à ce réglage maintenant, car il influe sur les réglages suivants.
Ensuite, j’ai aussi poussé vers la droite les quatre réglages “Hautes lumières”, “Ombres”, “Blancs”, “Noirs” en prenant garde aussi de ne pas cramer les blancs.
Enfin, comme le résultat global me semblait un peu plat, j’ai légèrement poussé les réglages “Contraste”, “Saturation” et “Vibrance” pour retrouver un peu de profondeur et de présence.
Détail / accentuation
Enfin, pour finir les opérations dans Lightroom, j’ai réglé l’accentuation de l’image dans le but de mieux mettre en évidence les détails de la texture des sucres.
A ce stade, le rendu de la photo est déjà beaucoup plus propre et proche de l’idée que j’avais en tête.
Il est temps de passer au travail dans Photoshop pour finaliser l’ensemble.
Retouche de l’image dans Photoshop
Le travail principal dans Photoshop est de supprimer toutes les imperfections de l’image de manière à ce que le rendu soit le plus propre possible :
Suppression des poussières,, grains de sucres, rayures du Plexiglas
Suppression des fils de Nylon
Effacement des imperfections
Il est toujours préférable de travailler de manière non-destructive. Pour répondre à cette exigence, nous allons travailler sur des calques supplémentaires qui contiendront uniquement les retouches réalisées.
Une fois l’image obtenue après les traitements de Lightroom chargée dans Photoshop, créez un nouveau calque vide.
Sélectionnez l’outil correcteur.
L’outil « Correcteur » fonctionne sur le même principe que l’outil “Tampon de duplication”. En maintenant la touche ALT enfoncée, vous échantillonnez une zone de l’image qui contient une texture similaire à la zone qui présente l’imperfection puis vous venez l’appliquer en recouvrant l’imperfection.
Dans le cas d’une zone uniforme, le travail est immédiat et parfait (vidéo à 7:47). Cependant, cela devient plus compliqué quand l’imperfection se trouve sur une zone de transition d’une ombre (vidéo 8:00) ou sur la tranche d’un objet (vidéo 10:35).
La solution dans ce cas est d’échantillonner astucieusement une zone présentant une texture et une transition similaires.
Tout semble parfaitement évident, mais il arrive parfois, qu’il n’est pas possible d’avoir une zone à échantillonner correspondant au besoin. Dans ce cas, il est nécessaire de procéder manuellement à l’aide de l’outil “Pinceau”.
L’astuce ici est de travailler séparément sur les tons sombres et clairs en utilisant respectivement les modes de dessin “Obscurcir” et “Eclaircir”. Dans ce cas, la subtilité provient dans le bon choix d’échantillonnage de la couleur à utiliser. Voyez cette technique ici dans la vidéo (11:13).
Accentuation supplémentaire
Une fois réalisé l’essentiel, l’image manquait encore un peu de présence notamment au niveau de la texture des sucres. J’ai donc choisi d’appliquer un calque d’accentuation.
Plutôt que de réexpliquer cette technique, je vous invite à vous reporter sur l’article dédié que j’ai déjà réalisé ici.
Lumière englobante (halo)
Pour totalement finir l’image, j’ai ajouté un halo de lumière pour qu’elle englobe un peu mieux les objets tout en adoucissant encore l’ambiance de l’image.
Les opérations à suivre sont les suivantes :
Créer un calque contenant l’ensemble de l’image en utilisant de le raccourci SHIFT+CTRL+ALT+E.
Sélectionnez Filtre / Rendu / Halo…
Placez en centre du halo dans l’aperçu à l’endroit le plus lumineux de l’image
Choisissez l’objectif
Réglez la luminosité et validez
Remplissez ce même calque totalement de noir
puis Filtre / Halo (ALT+CTRL+F)
Définissez le mode de fusion sur “Superposition”
Adoucissez le rendu des halo en ajoutant un flou gaussien léger
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Photo d'illustration de l'article à propos de photomontage du mois "Le complot"
L’année 2020 est très particulière pour le monde entier avec cette crise sanitaire due à la COVID-19. En France, la gestion politique et scientifique de cette crise est très controversée. D’un côté, nous avons la chance d’avoir le plus grand spécialiste mondial des maladies infectieuses à l’IHU de Marseille tel que le montre le site Expertscape.com qui classe les meilleurs spécialistes mondiaux dans les domaines de la science. Et face à lui, nous avons un gouvernement dont les décisions semblent de moins en moins logiques au fil du temps. Quoi qu’il en soit, ces circonstances historiques m’incitent à réaliser un photomontage sur ce thème. Plusieurs idées me sont venues en tête jusqu’à me fixer sur l’acharnement médiatique envers le Professeur Raoult ! J’ai donc réalisé le photomontage ci-dessous.
Explication du comment
Étant ingénieur, mon mode de pensée favorise les faits plutôt que les opinions. C’est certainement la raison pour laquelle le mode de communication du Professeur Raoult me parle beaucoup plus que les directives plus ou moins bien justifiées par le gouvernement. De plus, l’inadmissible scandale du Lancet met clairement le doute sur la bienveillance de la gestion de cette crise qui cherche à discréditer les travaux de ce professeur.
Tout ceci étant dit, entrons dans le sujet qui nous intéresse ici : la réalisation de ce photomontage.
J’ai commencé à chercher quels sont les éléments caractéristiques de la situation actuelle. En voici la liste :
Les politiques (symbolisée par le Président Macron),
Les sciences opérationnelles (symbolisées par le Pr Raoult),
Les masques chirurgicaux,
La population mondiale (symbolisée par la planète Terre),
le vaccin hypothétique (symbolisé par la seringue).
Ensuite, j’ai réfléchi à une mise en scène autour des éléments précédents.
Au fur et à mesure, j’ai imaginé utiliser un masque comme un parachute pour évoquer l’idée de mesure de protection des politiques vis-à-vis de leur gestion.
J’ai aussi pensé à utiliser le masque comme équipement protecteur de la population sous la forme d’un filet de maintien qui éviterait la Terre de tomber plus bas et ainsi éviter qu’elle s’écrase.
Et puis j’ai pensé au Professeur Raoult. Vivement critiqué par la presse autour de son look non-conventionnel, j’ai personnellement trouvé qu’il ressemblait à Jésus avec ses longs cheveux. Et là, tout s’est mis en place dans ma tête !
Je me suis dit qu’il pourrait être debout sur le bord d’un nuage comme les Dieux romains de l’antiquité. Il serait en train de retenir la Terre en tirant sur une corde attachée au masque.
Puis dernière lui, se trouverait la politique qui le blesserait dans le dos avec justement la seringue du virus bâclé par l’industrie pharmaceutique.
J’ai donc commencé la réalisation. Le plus gros travail a consisté à réaliser les masques, la Terre et le nuage sur lequel se tient le Pr Raoult. Tout ceci, à été fait dans Blender en 3D.
Pour ajuster l’angle de vue, j’ai dû trouver une photo d’un corps sur lequel je saurai placer la tête du Pr Raoult et qui serait dans la position adéquate pour tenir une corde. Je me suis donc tourné vers les photos de golfeurs quand ils tiennent leur putter.
C’est à partir de cette photo que j’ai orienté la lumière et l’angle de vue de la caméra.
Ensuite, je suis allé trouver une photographie du Président Macron de plain-pied et orientée de trois-quarts pour correspondre à la dynamique de la scène. Une fois détouré et à l’aide de l’outil déformation de la marionnette, je suis venu placer son bras gauche et ses jambes de manière adaptée.
Puis à partir d’une photo d’un parachutiste, j’ai récupéré les cordes et les sangles que j’ai déformé avec l’outil fluidité pour correctement les placer entre le masque et le Président.
Enfin, pour combler le fond et donner l’ambiance d’une peinture iconographique, j’ai utilisé une photo de ciel flamboyant issue du site Pexels.com.
Enfin, pour donner un effet plus pictural à la photo, j’ai appliqué une texture vieux papier à l’ensemble.
Autocritique
J’aime beaucoup ce photomontage, car il regroupe toutes les idées que je souhaitais transmettre :
ambiance iconographique de la religion,
évocation de Jésus par le Pr Raoult,
l’hypothétique traîtrise de l’industrie pharmaceutique par l’attaque dans le dos,
la main levée et le sourire narquois du Président Macron pour évoquer le caricatural “Ayez confiance mes compatriotes…”
Je trouve même en bonus, que la corde tirée par le professeur Raoult pourrait évoquer le fil de la pelote de laine que l’on tire pour dénouer les nœuds de cette crise ; le fil de l’histoire. D’ailleurs, le fait que cette corde s’enroule autour de la jambe évoque aussi le risque qu’il prend, car s’il ne parvient pas à sauver la planète Terre, il sera lui-même entraîné dans les abysses.
Photo d'illustration de l'article à propos de la génération d'images à partir d'une base de données
Photoshop possède des outils d’automatisation puissants pour générer des actions automatiquement dans le but de créer des séries d’images rapidement. Ici, je partage avec vous la possibilité d’exploiter des informations stockées dans une base de données.
00:00 – Présentation 00:04 – Sujet 00:13 – Les ressources 00:24 – La structure de la base de données 00:56 – La liaison est faite par les noms des colonnes 01:14 – Sauvegarde au format *.csv 01:38 – Notepad++ 01:52 – Ctrl+H 02:51 – Utilisation des données 03:05 – Définition des liaisons 04:40 – Import des données 06:49 – Avertissement 07:38 – Génération des images 09:50 – FastStone Image Viewer 11:39 – Pouce vers le haut 11:45 – Abonnement YouTube 11:50 – Abonnement blog
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Illustration de l'article à propos du clonage dans le filtre point de fuite
L’outil clonage est très puissant pour effacer des éléments perturbateurs d’une photographie. Cependant, lorsque la photographie présente de fortes perspectives, il devient inadapté. La solution est alors d’utiliser l’outil de clonage proposé dans la fenêtre du filtre Point de fuite. Je vous montre dans cette vidéo les possibilités de cet outil et comment le mettre en oeuvre.
00:00 – Présentation 00:04 – Sujet 00:09 – Utilisation d’une photo avec une perspective visible 00:30 – Mise en évidence des fuyantes et du point de fuite 00:59 – Défaut de l’outil clonage classique de Photoshop 02:00 – Utilisation de l’outil Point de fuite 02:37 – Construction des plans de travail 03:41 – Elargir un plan de travail 03:57 – Construction d’un plan de travail à 90° 05:16 – Outil clonage du filtre Point de fuite de Photoshop 08:59 – Pouce vers le haut 09:02 – Abonnement YouTube 09:08 – Abonnement blog
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Second point de vue permettant de mettre l'accent sur le paysage
En France, le mois de mai comporte de nombreux jours fériés . Lorsque ceux-ci se trouvent proche des week-end, il arrive fréquemment que les gens posent un jour de congé afin de réaliser un pont. Pour le photomontage de ce mois-ci, j’ai choisi de réaliser une illustration représentant cette pratique.
Explication du comment
J’ai rapidement fait le lien entre l’édifice et la pause les jours de congé. Cependant, je n’avais pas une idée claire de comment j’allais représenter visuellement cette association d’idées.
Durant mes séances d’auto-formation au logiciel Blender, j’avais noté, dans un coin de ma mémoire, qu’il existait un add-on permettant de facilement réaliser des cartographies en trois dimensions issues de Google Maps.
Afin de déclencher le processus créatif, j’ai commencé à réaliser plusieurs essais en ciblant différents viaducs remarquables de France. L’expérience m’a montré qu’ils étaient nécessaires d’utiliser une superficie suffisamment grande afin d’obtenir une définition du relief satisfaisante.
N’arrivant pas à trouver dans le paysage français un édifice répondant à cette contrainte, je suis allé voir du côté des États-Unis avec notamment le Golden Gate.
L’utilisation de cette zone géographique m’a prouvé que ce concept de création était possible. De plus, l’avantage d’utiliser un objet 3D me permettait de facilement intégrer la représentation d’un calendrier dans la texture du sol.
Afin de gagner du temps, j’ai recherché une modélisation du Golden Gate disponible directement sur internet.
Une fois la mise en place des éléments pour construire ma scène, j’ai travaillé sur l’éclairage de celle-ci afin que celui-ci soit cohérent avec les ombres présentes sur les photographies satellites de Google Maps. Souhaitant donner une atmosphère agréable au regard, j’ai teinté l’éclairage principal de la scène en jaune/orangé afin d’évoquer un coucher de soleil.
Pour finir, j’ai positionné le point de vue de la caméra suivant différentes positions enfin définir celui qui était le plus évocateur de la scène. A ce stade, j’avais réalisé 2 images qui me convenait mais dont la lecture était radicalement différente. La première permettait de mettre l’accent sur le calendrier alors que la seconde mettait l’accent sur le paysage.
Premier point de vue permettant de mettre d’accent sur le calendrier
Second point de vue permettant de mettre l’accent sur le paysage
Après réflexion, j’ai choisi de retenir la seconde version, car elle me semble plus subtile que la première.
Enfin, afin d’ajouter de l’intérêt à l’image, j’ai aussi ajouté deux bateaux dans la scène. Puis dans Photoshop, j’ai ajouté les sillages des vagues derrière eux.
Autocritique
Pour ce mois-ci, l’image produite est plus orientée 3D que photomontage. Cependant, il me semble important de ne pas se limiter dans les outils que nous pouvons utiliser pour produire des images.
L’important pour moi est d’être en mesure de transmettre des idées visuellement quelque soit les outils utilisés. C’est notamment l’avantage de savoir maitriser un maximum d’outils différents qui n’ont pour but que d’augmenter notre capacité créative.
Ce qui est à retenir est que l’apprentissage en continu fait partie intégrante du processus de créativité.
Illustration de l'article à propos des avantages des focales fixes
Les focales fixes présentent des avantages vis-à-vis des zooms. Je les partage avec vous, afin que vous puissiez faire vos choix en toute connaissance de cause.
00:00 – Présentation 00:04 – Sujet 00:10 – La taille plus petite 00:41 – Le poids plus faible 00:49 – Le prix plus modeste 01:01 – Plus grande ouverture maximale 01:24 – Peu de déformation optique 01:50 – Meilleur piqué 02:05 – Meilleure robustesse 02:22 – Choisissez l’outil adapté aux circonstances 03:12 – Pouce bleu 03:17 – Abonnement YouTube 03:22 – Abonnement blog
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Illustration de l'article à propos de l'outil créatif SPIDER
La peur de la page blanche en créativité est omniprésente pour tout le monde. Utiliser des méthodes sur lesquels pouvoir se reposer est un avantage pour mettre en route son processus de créativité. L’outil SPIDER, signifiant Système de Production d’Idées Divergentes et Réalistes, permet de produire à minima 27 idées relativement facilement. Dans cet article, je partage avec vous, le mode d’emploi de cette technique.
Principe de fonctionnement du SPIDER
Le principe de cet outil repose sur l’utilisation alternative du cerveau droit et du cerveau gauche. Le cerveau gauche est celui qui permet de tenir des raisonnements logiques et rationnels, alors que le cerveau droit gère l’intuition et l’émotion. C’est en utilisant chacun de ces cerveaux de façon alternative, que nous sommes capable de produire des idées créatives à propos d’un thème prédéfini. De plus, l’utilisation de visuels lors de cette méthode, est d’autant plus efficace, car plus adapté pour solliciter le cerveau droit.
Structure support de la méthode du SPIDER
La dénomination Spider provient de la similitude entre une toile d’araignée et la représentation graphique de la structure du support à utiliser.
Vous pouvez le constater sur l’image ci-dessous que la structure est composée de trois cercles concentriques.
Le cercle central contient le thème ou la question à laquelle nous devons répondre,
Un second cercle concentrique, autour de ce centre est divisé au minimum en trois sections qui contiennent chacune un verbe d’action en rapport avec le sujet inscrit au centre,
Un troisième cercle concentrique contient un ensemble d’images illustrant le plus concrètement possible, chacun des verbes précédemment listé, mais cette fois-ci, sans se préoccuper de l’idée centrale initiale.
Le but du jeu est alors de répondre à la question centrale en s’appuyant sur chacune des illustrations contenu dans le 3e cercle.
Les points clés du succès de cette méthode SPIDER
Pour maximiser les chances de réussite, il est important de définir le plus clairement possible l’objet de la recherche situé au centre du Spider. Plus cet objectif sera concret et précis et plus il sera facile de répondre à celui-ci avec des idées créatives.
Pour s’assurer de pleinement utiliser le potentiel de son cerveau droit, il est important d’utiliser des représentations visuelles illustrant les verbes situés dans le deuxième cercle.
Enfin, le travail de groupe autour de cette méthode, facilitera d’autant plus l’aspect brainstorming lors de la dernière phase de la génération idées créatives répondant à l’objectif initial.
Exemple de mise en œuvre de la méthode
Si vous souhaitez aller plus loin dans ce type d’outils créatifs et en découvrir d’autres, je vous invite à lire le livre “La Boîte à outils de la créativité” aux éditions Dunod.
Application à l’image d’illustration de l’article
Exemple d’application de la méthode pour trouver l’image d’illustration de l’article à propos de la méthode SPIDER
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